El progreso de la economía y la sociedad florentina, unido a una cierta estabilidad política a partir de los años de oro produjeron un clima propicio para la producción artística. surgieron nuevas acepciones artísticas que comenzaron a alejarse del imaginario gótico. Paralelamente con el lenguaje sobrio y racional iniciado por Massacio, " Lippi"
inventó un estilo más amplio, simple, terrenal y concreto.
En sus dibujos , la linea desempeñaba un papel dinámico, especialmente en los arabescos de los cuerpos y en los drapeados.
" Castagno"
creó un universo de la intensidad más sobria y reforzada. Su pintura revelaba un interés por los estudios de fisonomía y su tendencia a destacar la anatomía y los rostros austeros de sus personajes. si Lippi y Castagno buscaban lograr una tensión gráfica, "Veneziano "
se interezó por lograr efectos cromáticos, yuxtaponiendo los colores sutilmente en sus cuadros, al igual que su disípulo Piero Della Francesca.
"Paolo Uccello " y "Fra Angélico", ambos activos en Florencia en la misma época; aunque con estilos muy disímiles, sentaron las bases de un arte que buscaba la trascendencia.
EJEMPLOS:
"BATALLA DE SAN ROMANO",UCELLO
"LA ANUNCIACIÓN",FRA ANGÉLICO
domingo, abril 09, 2006
PRIMER RENACIMIENTO FLORENTINO
LA RENOVACIÓN DE LA ESCULTURA
En el transcurso del siglo xv la multiplicación de los encargos creó un clima de emulación y competitividad que favoreció la creación y la innovación. Donatello se impuso en el campo de la escultura. su epitafio lo resume: "Todo lo que muchos han hecho antaño con una mano experta para la escultura, Donato lo hizo en nuestros dias, él solo"
EJEMPLOS:
"SAN JORGE", DONATELLO
"DAVID"
"GATTAMELATA"
GOZZOLI BENOZZO Y GHIRLANDAIO
GHIRLANDAIO
Nombre adoptado por una familia de pintores florentinos llamada
originalmente Bigordi.
La apelación ghirlandaio (fabricantes de guirnaldas) se aplicó por
primera a Tommaso Bigordi, un orfebre y platero del siglo XV, famoso por
su maestría en el labrado de coronas de flores en plata para adornar los
peinados de las damas. Los miembros más importantes de la familia son
los siguientes:
Domenico di Tommaso Bigordi Ghirlandaio (1449-1494).
----------------------------------------------------
Hijo de Tommaso, Domenico fue el artista más destacado de la familia.
Nació en Florencia (Italia) y estudió pintura y la técnica del mosaico
con el prestigioso pintor florentino Alesso Baldovinetti.
Su estilo denota también la influencia de renacentistas italianos como
Giotto, (Tommaso Di Ser Giovanni) Masaccio, Andrea del Castagno y Andrea
del Verrocchio. A excepción del periodo que trabajó en Roma para el papa
Sixto IV, vivió siempre en Florencia, donde se convirtió en uno de los
principales maestros de la escuela florentina.
Su capacidad de observación, la solidez de su pintura y su estilo
anticuado atrajeron a los comerciantes florentinos conservadores quienes
se convirtieron en clientes de su taller. No fue un innovador pero llevó
el realismo a su máxima expresión en el siglo XV, y lo convirtió en una
de las características dominantes de esa escuela. Realizó frescos y
cuadros de temática religiosa a los que siempre incorporaba escenarios
florentinos conocidos y retratos de personajes contemporáneos ataviados
con trajes de la época.
Es célebre sobre todo por sus frescos, entre los que destacan Vocación
de san Pedro y de san Andrés (1481-1482, Capilla Sixtina, Ciudad del
Vaticano), su obra maestra Historia de san Francisco (1485, Iglesia de
Santa Trinità, Florencia), la Leyenda de la Virgen e Historia de San
Juan Bautista (1485- 1490, coro de la iglesia de Santa Maria Novella,
Florencia). También pintó retablos, entre los que se incluyen La
adoración de los pastores (1485, Santa Trinità) y la Coronación de la
Virgen (c. 1490, Pinacoteca de Múnich, Alemania).
Entre sus cuadros de caballete, todos ellos pintados al temple, están La
adoración de los Magos (1487, Uffizi, Florencia) y Anciano con niño
(1480, Museo del Louvre, París, Francia). Uno de sus discípulos fue el
famoso artista del renacimiento italiano Michelangelo Buonarroti.
Domenico trabajaba a menudo con sus hermanos Benedetto y David.
ENTRE SUS OBRAS FIGURAN:
"SAN JORGE", DONATELLO
Ver artículo
GOZZOLI, BENOZZO:
Benozzo di Lese, llamado Benozzo Gozzoli; Florencia, 1420-Pistoia, 1497) Pintor italiano. Fue aprendiz de orfebre con Ghiberti y discípulo de Fra Angélico. Su primera obra importante es la Vida de san Francisco (1450-1452). Sus colores claros, su brío y su sentido de lo pintoresco caracterizan muchas de sus obras posteriores, entre las cuales cabe mencionar El cortejo de los Reyes Magos (1459), los frescos del camposanto de Pisa, que representan escenas del Antiguo Testamento, y varios retratos de los Médicis.
ENTRE SUS OBRAS MAS IMPORTANTES FIGURAN:
"LA ESCUELA DE TAGASTE "
miércoles, abril 05, 2006
LOS HERMANOS HUMBERT Y JAN VAN EYCK
Unidos a lo largo de toda su carrera,los hermanos Jan y Humnbert Van Eyck figuran en la historia del arte como los inventores de la pintura al óleo. Pero son también los promotores de una icografía que renovó los cánones de la Represntación Medieval.
Se dispone de muy poca información sobre estos hermanos y cuando tranajaron juntos es difícil distinguir quien hizo que. Humbert el mayor había realizado "Retrato del cordero místico" y eso es todo lo que se sabe de él.
*La imagen de una compañía para la oración
*De lo concreto a lo sensible
*El dominio de todos los géneros
Pinturas
Retablo la adoración del cordero místico
Retrato de Nicola Albergati
El matrimonio Arnolfini
La virgen del Canciller Van Der Paele
JAN VAN EYCK
Jan van Eyck (Maastricht, c. 1390 - Brujas, 1441). Pintor flamenco . que trabajó en Brujas junto con Robert Campin en Tournai. Fue fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento Nórdico de Europa. En tal sentido Van Eyck es el más célebre del conjunto de pintores llamado los Primitivos Flamencos.
Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional.
En lo atinente a la búsqueda de los efectos tridimensionales Van Eyck no recurre tanto a la perspectiva con un punto de fuga, sino que logra dar cierta impresión de tridimensionalidad mediante la técnica de las «veladuras» o tenues capas de óleo aplicadas unas sobre otras y todas sobre un soporte que consta de una tabla de madera (generalmente de haya) pulida y pintada de blanco, con lo que se logra una reflexión de la luz con el consecuente brillo de la pintura y una sugestión de profundidad. Van Eyck se atrevió con estos métodos a intentar lo que luego se llamaría trompe lœil o trampantojo .
Muchas veces se ha atribuido a Van Eyck la invención de la pintura al óleo,la invención que realiza Van Eyck es la de la fórmula del óleo con secado rápido, técnica que permite entre otras cosas la feliz composición ya mencionada mediante veladuras.
El tratamiento que Van Eyck da a la luz, merced a su dominio de la técnica al óleo, hace bastante correcta la siguiente opinión que se hace de él: "Van Eyck,redescubre la verdad entrevista en la pintura helenística, pero luego olvidada, según la cual las sombras se encuentran incluso en las claridades, y la luz en todas partes, incluso en las sombras".
Por otra parte resulta interesante observar una constante en la obra de Van Eyck: además de una muy estudiada espacialidad, las figuras humanas (o de aspecto humano) por él representadas tienen una actitud impasible y tendiente a la monumentalidad (una ligera excepción a tal impasibilidad se encuentra en la tabla de los «ángeles cantores», o al San Jorge, perteneciente al Políptico de Gante).
Van Eyck es calificado de pintor naturalista. Tal afirmación es bastante cierta, viéndose corroborada en la representación de Eva y Adán, desnudos, en la parte superior del Políptico de Gante, retratados sin idealizaciones y sin demasiadas censuras: Van Eyck les ha pintado casi con cada uno de los pelos. Es de este modo que ha acercado lo religioso a la vida cotidiana en una humilde majestad y belleza.
lunes, abril 03, 2006
TRECENTO
El Trecento es un siglo privilegiado que contó con los primeros nombres reconocidos como genios de la cultura: Dante, Petrarca, Giotto, Duccio son algunos de ellos. Sus producciones en sus respectivos campos marcan un espíritu nuevo que pone al hombre y su voluntad en el eje de la creación. Giotto fue además el primer pintor de la historia occidental que tuvo éxito en vida.El Trecento arranca de los últimos momentos del Duocento, en la transición iniciada por los artistas toscanos que trabajan la pintura en vez del mosaico. Durante este siglo, el XIV, se van a desarrollar dos escuelas diferentes, la florentina y la sienesa, cada una ella ubicada en sendas repúblicas poderosas. Pero las dos escuelas tienen características comunes, tales como son la individualización de los personajes, lejos ya de los estereotipos practicados durante el medioevo. A esta individualización corresponde una mayor expresividad de los rostros y el gesto, lo cual marca la separación de los tipos bizantinos practicados el siglo anterior, hieráticos, inmóviles en su diginidad eterna. También se presta mayor atención al cuerpo, con lo que se consigue una mayor corrección anatómica, más realista, sin idealizar. Esto implica introducir volumen y modelado en los cuerpos, que inmediatamente repercute en los objetos que lo rodean y en el fondo, que deja de ser un panel dorado para llenarse de paisajitos o interiores. En éstos se practican unas rudimentarias reglas de perspectiva, divergentes, que unifican escenas de diferentes marcos relacionándolas entre sí mediante puntos de fuga que sólo operan para las escenas seleccionadas.También se innova en la temática: la aparición de un poder civil fuerte, como son las repúblicas mercantiles, demanda unas obras que respalden su imagen del poder. El resultado fueron frescos magníficos, como los del palacio comunal de Venecia hechos por los hermanos Lorenzetti entre otros, o los del palacio de verano del papa en Avignon.Otro campo de avance será el meramente técnico: las técnicas al fresco se perfeccionan y resultan tan duraderas y brillantes como el mosaico, al que a veces imitan en decoraciones murales. El fresco se complementa con retoques "alla secca", que permiten mayor detallismo. Además, el volumen implica la necesidad de sombras y gradaciones, por lo que se abandona el color plano para introducir las gamas tonales, de una manera muy similar a como lo hará el impresionismo puesto que no hay sombras proyectadas de color negro, sino coloreadas con gamas más intensas o con colores complementarios.La escuela florentina es la que mejor aprovechará estos logros técnicos, puesto que el ambiente en ella es muy intelectual. Giotto es su mejor exponente, y realiza en sus ciclos al fresco verdaderos manifiestos pictóricos y teológicos que causaron furor en su época.La escuela de Siena halla su mejor representante en Simone Martini, el pintor de las vírgenes elegantes y bellas. Su estilo está claramente ligado al bizantinismo, en una escuela blanda, amanerada y sumamente apropiada para ambientes cortesanos, al estilo del retrato que realizó del Guidoriccio da Fogliano. La piel que pinta suele ser terrosa, las manos finas y crispadas, casi como garfios, los ropajes y los entornos son ricos, principescos. Estos rasgos convierten la pintura sienesa en inconfundible, puesto que sustituyen la intelectualidad florentina por el sentimiento religioso y humano. Sus mejores artífices, el citado Martini, Duccio, los hermanos Lorenzetti, obtuvieron proyección internacional. También la tuvieron los florentinos, Taddeo Gaddi, il Giottino, Starnina... esto se debe a dos circunstancias que indirectamente acaban con el Trecento. La primera fue la epidemia de Peste Negra que en 1348 provoca una huida masiva de la población. Los artistas se trasladaron a la corte papal en Avignon, donde llevaron a cabo obras magníficas. Un segundo receso tiene lugar en 1379, con la revolución de los Ciompi, campesinos contra el poder aristocrático y clerical, que determina un período de crisis económica y social en el cual la Toscana es sustituida en importancia cultural por Roma. Muchos artistas se trasladaron a las costas mediterráneas del sur de Francia y del este español, lo cual determinará una proyección de su estilo en el Gótico Italianizante inmediatamente posterior.
PINTURAS EN TEMPLOS
* La pintura aportó una visión más narrativa y naturalista de los pasajes bíblicos.
* Técnica empleada: fresco
* Relatos bíblicos para educar a sus fieles
* También se represntaban las funciones de las instituciones religiosas(vocación caritativa)
PINTURAS PROFANAS
*Decoración de residencias privadas con ciclos de frescos
*Temas asociados a la vida del patrón, daban testimonio de devoción a un santo. Patrón, evocaban el pasado glorioso de la familia o su relación con el transcurso del tiempo.
domingo, abril 02, 2006
SIGLO XV
TEMAS DESTACADOS:
*Renacimiento humanista
*Los fieles se refugiaron en las prácticas individuales o se volvieron predicadores herjes.
*El nuevo equilibrio geopolítico, la rica Italia culturalmente unida pero políticamente dividida.
*Las mutaciones económicas: la agricultura sector dominante pero la industria y el comercio los que desarrollaron las innovaciones y generaron ganancias.
*Las nuevas mentalidades, el redescubrimiento de tratados científicos y técnicos promovió las investigaciones en alquimia y astrología.
*La pintura innovó: los artistas se comenzaron a preocupar por la figuración de la profundidad y la representación meticulosa de la naturaleza.
*La técnica de pintura al óleo realzó la riqueza cromática y permitió sutiles veladuras en composiciones marcadas por un complejo simbolismo.
*Grandes viajes y descubrimientos.
