El progreso de la economía y la sociedad florentina, unido a una cierta estabilidad política a partir de los años de oro produjeron un clima propicio para la producción artística. surgieron nuevas acepciones artísticas que comenzaron a alejarse del imaginario gótico. Paralelamente con el lenguaje sobrio y racional iniciado por Massacio, " Lippi"
inventó un estilo más amplio, simple, terrenal y concreto.
En sus dibujos , la linea desempeñaba un papel dinámico, especialmente en los arabescos de los cuerpos y en los drapeados.
" Castagno"
creó un universo de la intensidad más sobria y reforzada. Su pintura revelaba un interés por los estudios de fisonomía y su tendencia a destacar la anatomía y los rostros austeros de sus personajes. si Lippi y Castagno buscaban lograr una tensión gráfica, "Veneziano "
se interezó por lograr efectos cromáticos, yuxtaponiendo los colores sutilmente en sus cuadros, al igual que su disípulo Piero Della Francesca.
"Paolo Uccello " y "Fra Angélico", ambos activos en Florencia en la misma época; aunque con estilos muy disímiles, sentaron las bases de un arte que buscaba la trascendencia.
EJEMPLOS:
"BATALLA DE SAN ROMANO",UCELLO
"LA ANUNCIACIÓN",FRA ANGÉLICO
domingo, abril 09, 2006
PRIMER RENACIMIENTO FLORENTINO
LA RENOVACIÓN DE LA ESCULTURA
En el transcurso del siglo xv la multiplicación de los encargos creó un clima de emulación y competitividad que favoreció la creación y la innovación. Donatello se impuso en el campo de la escultura. su epitafio lo resume: "Todo lo que muchos han hecho antaño con una mano experta para la escultura, Donato lo hizo en nuestros dias, él solo"
EJEMPLOS:
"SAN JORGE", DONATELLO
"DAVID"
"GATTAMELATA"
GOZZOLI BENOZZO Y GHIRLANDAIO
GHIRLANDAIO
Nombre adoptado por una familia de pintores florentinos llamada
originalmente Bigordi.
La apelación ghirlandaio (fabricantes de guirnaldas) se aplicó por
primera a Tommaso Bigordi, un orfebre y platero del siglo XV, famoso por
su maestría en el labrado de coronas de flores en plata para adornar los
peinados de las damas. Los miembros más importantes de la familia son
los siguientes:
Domenico di Tommaso Bigordi Ghirlandaio (1449-1494).
----------------------------------------------------
Hijo de Tommaso, Domenico fue el artista más destacado de la familia.
Nació en Florencia (Italia) y estudió pintura y la técnica del mosaico
con el prestigioso pintor florentino Alesso Baldovinetti.
Su estilo denota también la influencia de renacentistas italianos como
Giotto, (Tommaso Di Ser Giovanni) Masaccio, Andrea del Castagno y Andrea
del Verrocchio. A excepción del periodo que trabajó en Roma para el papa
Sixto IV, vivió siempre en Florencia, donde se convirtió en uno de los
principales maestros de la escuela florentina.
Su capacidad de observación, la solidez de su pintura y su estilo
anticuado atrajeron a los comerciantes florentinos conservadores quienes
se convirtieron en clientes de su taller. No fue un innovador pero llevó
el realismo a su máxima expresión en el siglo XV, y lo convirtió en una
de las características dominantes de esa escuela. Realizó frescos y
cuadros de temática religiosa a los que siempre incorporaba escenarios
florentinos conocidos y retratos de personajes contemporáneos ataviados
con trajes de la época.
Es célebre sobre todo por sus frescos, entre los que destacan Vocación
de san Pedro y de san Andrés (1481-1482, Capilla Sixtina, Ciudad del
Vaticano), su obra maestra Historia de san Francisco (1485, Iglesia de
Santa Trinità, Florencia), la Leyenda de la Virgen e Historia de San
Juan Bautista (1485- 1490, coro de la iglesia de Santa Maria Novella,
Florencia). También pintó retablos, entre los que se incluyen La
adoración de los pastores (1485, Santa Trinità) y la Coronación de la
Virgen (c. 1490, Pinacoteca de Múnich, Alemania).
Entre sus cuadros de caballete, todos ellos pintados al temple, están La
adoración de los Magos (1487, Uffizi, Florencia) y Anciano con niño
(1480, Museo del Louvre, París, Francia). Uno de sus discípulos fue el
famoso artista del renacimiento italiano Michelangelo Buonarroti.
Domenico trabajaba a menudo con sus hermanos Benedetto y David.
ENTRE SUS OBRAS FIGURAN:
"SAN JORGE", DONATELLO
Ver artículo
GOZZOLI, BENOZZO:
Benozzo di Lese, llamado Benozzo Gozzoli; Florencia, 1420-Pistoia, 1497) Pintor italiano. Fue aprendiz de orfebre con Ghiberti y discípulo de Fra Angélico. Su primera obra importante es la Vida de san Francisco (1450-1452). Sus colores claros, su brío y su sentido de lo pintoresco caracterizan muchas de sus obras posteriores, entre las cuales cabe mencionar El cortejo de los Reyes Magos (1459), los frescos del camposanto de Pisa, que representan escenas del Antiguo Testamento, y varios retratos de los Médicis.
ENTRE SUS OBRAS MAS IMPORTANTES FIGURAN:
"LA ESCUELA DE TAGASTE "
miércoles, abril 05, 2006
LOS HERMANOS HUMBERT Y JAN VAN EYCK
Unidos a lo largo de toda su carrera,los hermanos Jan y Humnbert Van Eyck figuran en la historia del arte como los inventores de la pintura al óleo. Pero son también los promotores de una icografía que renovó los cánones de la Represntación Medieval.
Se dispone de muy poca información sobre estos hermanos y cuando tranajaron juntos es difícil distinguir quien hizo que. Humbert el mayor había realizado "Retrato del cordero místico" y eso es todo lo que se sabe de él.
*La imagen de una compañía para la oración
*De lo concreto a lo sensible
*El dominio de todos los géneros
Pinturas
Retablo la adoración del cordero místico
Retrato de Nicola Albergati
El matrimonio Arnolfini
La virgen del Canciller Van Der Paele
JAN VAN EYCK
Jan van Eyck (Maastricht, c. 1390 - Brujas, 1441). Pintor flamenco . que trabajó en Brujas junto con Robert Campin en Tournai. Fue fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento Nórdico de Europa. En tal sentido Van Eyck es el más célebre del conjunto de pintores llamado los Primitivos Flamencos.
Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional.
En lo atinente a la búsqueda de los efectos tridimensionales Van Eyck no recurre tanto a la perspectiva con un punto de fuga, sino que logra dar cierta impresión de tridimensionalidad mediante la técnica de las «veladuras» o tenues capas de óleo aplicadas unas sobre otras y todas sobre un soporte que consta de una tabla de madera (generalmente de haya) pulida y pintada de blanco, con lo que se logra una reflexión de la luz con el consecuente brillo de la pintura y una sugestión de profundidad. Van Eyck se atrevió con estos métodos a intentar lo que luego se llamaría trompe lœil o trampantojo .
Muchas veces se ha atribuido a Van Eyck la invención de la pintura al óleo,la invención que realiza Van Eyck es la de la fórmula del óleo con secado rápido, técnica que permite entre otras cosas la feliz composición ya mencionada mediante veladuras.
El tratamiento que Van Eyck da a la luz, merced a su dominio de la técnica al óleo, hace bastante correcta la siguiente opinión que se hace de él: "Van Eyck,redescubre la verdad entrevista en la pintura helenística, pero luego olvidada, según la cual las sombras se encuentran incluso en las claridades, y la luz en todas partes, incluso en las sombras".
Por otra parte resulta interesante observar una constante en la obra de Van Eyck: además de una muy estudiada espacialidad, las figuras humanas (o de aspecto humano) por él representadas tienen una actitud impasible y tendiente a la monumentalidad (una ligera excepción a tal impasibilidad se encuentra en la tabla de los «ángeles cantores», o al San Jorge, perteneciente al Políptico de Gante).
Van Eyck es calificado de pintor naturalista. Tal afirmación es bastante cierta, viéndose corroborada en la representación de Eva y Adán, desnudos, en la parte superior del Políptico de Gante, retratados sin idealizaciones y sin demasiadas censuras: Van Eyck les ha pintado casi con cada uno de los pelos. Es de este modo que ha acercado lo religioso a la vida cotidiana en una humilde majestad y belleza.
lunes, abril 03, 2006
TRECENTO
El Trecento es un siglo privilegiado que contó con los primeros nombres reconocidos como genios de la cultura: Dante, Petrarca, Giotto, Duccio son algunos de ellos. Sus producciones en sus respectivos campos marcan un espíritu nuevo que pone al hombre y su voluntad en el eje de la creación. Giotto fue además el primer pintor de la historia occidental que tuvo éxito en vida.El Trecento arranca de los últimos momentos del Duocento, en la transición iniciada por los artistas toscanos que trabajan la pintura en vez del mosaico. Durante este siglo, el XIV, se van a desarrollar dos escuelas diferentes, la florentina y la sienesa, cada una ella ubicada en sendas repúblicas poderosas. Pero las dos escuelas tienen características comunes, tales como son la individualización de los personajes, lejos ya de los estereotipos practicados durante el medioevo. A esta individualización corresponde una mayor expresividad de los rostros y el gesto, lo cual marca la separación de los tipos bizantinos practicados el siglo anterior, hieráticos, inmóviles en su diginidad eterna. También se presta mayor atención al cuerpo, con lo que se consigue una mayor corrección anatómica, más realista, sin idealizar. Esto implica introducir volumen y modelado en los cuerpos, que inmediatamente repercute en los objetos que lo rodean y en el fondo, que deja de ser un panel dorado para llenarse de paisajitos o interiores. En éstos se practican unas rudimentarias reglas de perspectiva, divergentes, que unifican escenas de diferentes marcos relacionándolas entre sí mediante puntos de fuga que sólo operan para las escenas seleccionadas.También se innova en la temática: la aparición de un poder civil fuerte, como son las repúblicas mercantiles, demanda unas obras que respalden su imagen del poder. El resultado fueron frescos magníficos, como los del palacio comunal de Venecia hechos por los hermanos Lorenzetti entre otros, o los del palacio de verano del papa en Avignon.Otro campo de avance será el meramente técnico: las técnicas al fresco se perfeccionan y resultan tan duraderas y brillantes como el mosaico, al que a veces imitan en decoraciones murales. El fresco se complementa con retoques "alla secca", que permiten mayor detallismo. Además, el volumen implica la necesidad de sombras y gradaciones, por lo que se abandona el color plano para introducir las gamas tonales, de una manera muy similar a como lo hará el impresionismo puesto que no hay sombras proyectadas de color negro, sino coloreadas con gamas más intensas o con colores complementarios.La escuela florentina es la que mejor aprovechará estos logros técnicos, puesto que el ambiente en ella es muy intelectual. Giotto es su mejor exponente, y realiza en sus ciclos al fresco verdaderos manifiestos pictóricos y teológicos que causaron furor en su época.La escuela de Siena halla su mejor representante en Simone Martini, el pintor de las vírgenes elegantes y bellas. Su estilo está claramente ligado al bizantinismo, en una escuela blanda, amanerada y sumamente apropiada para ambientes cortesanos, al estilo del retrato que realizó del Guidoriccio da Fogliano. La piel que pinta suele ser terrosa, las manos finas y crispadas, casi como garfios, los ropajes y los entornos son ricos, principescos. Estos rasgos convierten la pintura sienesa en inconfundible, puesto que sustituyen la intelectualidad florentina por el sentimiento religioso y humano. Sus mejores artífices, el citado Martini, Duccio, los hermanos Lorenzetti, obtuvieron proyección internacional. También la tuvieron los florentinos, Taddeo Gaddi, il Giottino, Starnina... esto se debe a dos circunstancias que indirectamente acaban con el Trecento. La primera fue la epidemia de Peste Negra que en 1348 provoca una huida masiva de la población. Los artistas se trasladaron a la corte papal en Avignon, donde llevaron a cabo obras magníficas. Un segundo receso tiene lugar en 1379, con la revolución de los Ciompi, campesinos contra el poder aristocrático y clerical, que determina un período de crisis económica y social en el cual la Toscana es sustituida en importancia cultural por Roma. Muchos artistas se trasladaron a las costas mediterráneas del sur de Francia y del este español, lo cual determinará una proyección de su estilo en el Gótico Italianizante inmediatamente posterior.
PINTURAS EN TEMPLOS
* La pintura aportó una visión más narrativa y naturalista de los pasajes bíblicos.
* Técnica empleada: fresco
* Relatos bíblicos para educar a sus fieles
* También se represntaban las funciones de las instituciones religiosas(vocación caritativa)
PINTURAS PROFANAS
*Decoración de residencias privadas con ciclos de frescos
*Temas asociados a la vida del patrón, daban testimonio de devoción a un santo. Patrón, evocaban el pasado glorioso de la familia o su relación con el transcurso del tiempo.
domingo, abril 02, 2006
SIGLO XV
TEMAS DESTACADOS:
*Renacimiento humanista
*Los fieles se refugiaron en las prácticas individuales o se volvieron predicadores herjes.
*El nuevo equilibrio geopolítico, la rica Italia culturalmente unida pero políticamente dividida.
*Las mutaciones económicas: la agricultura sector dominante pero la industria y el comercio los que desarrollaron las innovaciones y generaron ganancias.
*Las nuevas mentalidades, el redescubrimiento de tratados científicos y técnicos promovió las investigaciones en alquimia y astrología.
*La pintura innovó: los artistas se comenzaron a preocupar por la figuración de la profundidad y la representación meticulosa de la naturaleza.
*La técnica de pintura al óleo realzó la riqueza cromática y permitió sutiles veladuras en composiciones marcadas por un complejo simbolismo.
*Grandes viajes y descubrimientos.
martes, marzo 28, 2006
LA PERSPECTIVA
Si las grandes mutaciones históricas conllevan acontecimientos e invenciones específicas, la perspectiva constituye sin duda uno de los principales rasgos el renacimiento.
La perspectiva de los pintores (llamada artificial) se diferencia del estudio de la óptica (perspectiva natural). Esta proporcionó a los artistas cómodos esquemas de construcción, permitiéndoles representar la tridimensionalidad del espacio sobre la superficie plana del muro o del panel (porsteriormente, de la tela).
La imagen de la “ventana” formulada por León Bauttista Alberti (De pictura 1435) resume perfectamente el objetivo: “sobre la superficie a pintar, inscribió un rectángulo de tamaño conveniente, el que consideró como una ventana abierta desde donde se contempla la escena”. Se trata, en términos geométricos, de una proyección crónica que tenía como foco el ojo del pintor (o del espectador) y como superficie de proyección, el plano del cuadro, cuyos bordes definan la “pirámide visual” que contenía todo los elementos de la representación. En consecuencia todas las perpendiculares del cuadro convergían hacia un único centro (punto de fuga) y la escala relativa de los objetos era respetada. Esta visión geométrica, un tanto dura , incluía otros dispositivos: perspectivas de sombras y de colores, y perspectiva atmosférica, en particular el modelado. Finalmente es necesario precisar que la problemática de la perspectiva concernía de igual modo a las tres “artes del dibujo”: si Masaccio , Paolo Uccello o Piero Della Francesca se distinguieron en pintura, los escultores Ghiberti, Donatello y en especial el arquitecto Brunelleschi figuran a la cabeza de los pioneros de esta investigación fundacional del arte moderno.
Dominada hacia fines del Quatrocento, y perfeccionada por Leonardo Da Vinci , la perspectiva alcanzó luego un virtuosismo extremo (escorzo, anamorfosis, cuadratura). Antecesora de la geometría descriptiva , constituyó un rasgo muy significativo del pensamiento humanista y de las ambiciones científicas de la época.
sábado, marzo 25, 2006
GIOTTO DI BONDONE
Mejor conocido como Giotto (Colle di Vespingano, cerca de Florencia 1267 - 8 de Enero, Florencia, 1337) fue pintor y arquitecto italiano. Es considerado el primer artista de muchos que contribulló a la creación del Renacimiento Italiano
La leyenda como la cuénta Giorgio Vasari, sostiene que a la edad de 11 mientras Giotto cuidaba a una oveja pintaba en un piedra con un pedazo de tiza. El artista Cimabue pasaba y fue cuando lo descubrió dibujando una oveja, tan natural y perfecta que Cimabue inmediatamente le pregunto al padre de Giotto si dejase al niño venir con el como estudiante a estudiar arte. Su padre aceptó y así la carrera artistica de Giotto comenzó en el taller de Cimabue.
Otra de las historias de “Vasari "describe a Giotto como un aprendiz jugetón, pintando una mosca en la naríz de una figura con tal técnica que su maestro Cimabue hizo varios intentos para quitar a la mosca. Esta leyenda es un presagio de la tecnica caracteristica de Giotto de pintar figuras casi reales.
Su arte fue extremadamente inovador y es considerado percursor de la evolución que poco después llevo al renacimiento. Muchos lo creen la llave entre el Arte Bizantino de la avanzada edad media y mas realista y humanístico que floreció en el renacimiento. Las planas y simbolicas figuras del Arte Bizantino dieron camino a las modeladas e invididuales figuras en perspectiva. Giotto adoptó el lenguake visual de escultores al darle volumen y peso a sus figuras. Comparando su Madonna con la de su maestro Cimabue nos muestra porque sus contemporaneos consideraban sus pinturas milagros del naturalismo.
Según Cennino Ceninni, Giotto “ha cambiado el arte de pintar del griego al latín y se ha adaptado al modernismo”
Efectivamente, a su muerte Giotto había modificado profundamente la pintura italiana, de la herencia medieval y bizantina (“griega) al gótico occidental (“latino”).
LOS HEREDEROS DEL ARTE DE GIOTTO
El arte de Giotto se difundió inmediatamente por toda la Italia. Los Gaddi, Tadeo y su hijo Agnolo (activos entre 1330 y 1396), continuaron la experiencia de Giotto en el ámbito de la perspectiva (Capilla Baroncelli), mientras que Andrea di Cione, llamado orcagna , se inspiró en la paleta y en el modelado de Giotto.
Artículos comentados en la clase:
"La belleza ya no es lo que era".
"El fracaso de lo feo"
LA ANUNCIACION DE SANTA ANA
LA ANUNCIACIÓN DE SANTA ANA
(1302-1305)
FRESCO
200cm. x 185cm.
Capilla de los scrovegni
Padua (ITALIA)
Perteneciente a los episodios de la vida de Joaquín y Ana es este fresco que se encuentra en la zona superior del lado izquierdo sobre los ventanales de la capilla de los Scrovegni, conocida también como la Capilla de la Arena. En esta obra, de acuerdo a los criterios del siglo XIV, Giotto utiliza los todavía limitados recursos de la perspectiva para ofrecer una imagen real de un hecho sobrenatural. La escenografía es el interior de una habitación que el espectador ve como si se tratara de una caja abierta. En el centro de la estancia, amoblada y decorada con objetos de uso cotidiano, se encuentra la figura de Santa Ana, de rodillas. Por la pequeña ventana justo frente a ella, se asoma la figura del ángel. Para acentuar el contraste de interior y exterior, Giotto ha representado un ambiente de transición, el pórtico de entrada a la casa. Allí se sienta la sirvienta de la casa, hilando. Se sabe que ésta es la primera representación de un trabajo manual en el arte occidental.
La arquitectura blanquecina se recorta sobre el azul del cielo otorgando una gran solemnidad a la escena.
SAN FRANCISCO PREDICANDO A LAS AVES
SAN FRANCISCO PREDICANDO A LAS AVES
(Detalle de la Predella del altar de San Francisco
recibiendo los estigmas de cristo)
Témpera sobre tabla
Museo del Louvre
Paris (Francia)
El altar al que pertenece esta escena, firmado en la zona inferior del marco, ha sido de fundamental importancia para determinar la autoría de Giotto en los frescos de la iglesia de San Francisco de Asís. El fondo dorado reafirma la opinión de que se trata de una de las obras de juventud de Giotto, cuando todavía no se había iniciado en la experimentación de la perspectiva.
También es cierto que el dorado representa en este caso la atmósfera de santidad, de la eternidad, el no-tiempo y el no-lugar de la primera edad dorada del hombre.
Al repetir Giotto, más tarde, esta escena no dudaría en agregar un paisaje de fondo.
San Francisco predicando a las aves es una de las escenas mas bellas de la vida del santo y el pintor sabe plasmarla con una inimitable dulzura. Debajo del árbol, los pájaros se estremecen inquietos y algunos se aprestan a volar de alegría frente a la tranquila figura de San Francisco que los bendice como parte de la creación.
LA CRUCIFIXION
LA CRUCIFIXIÓN
(1302-1305)
Fresco
200cm x185cm
Capilla de los scorvegni
Padua (ITALIA)
La figura de cristo sobre la cruz rodeado de ángeles que revolotean a su alrededor domina la escena desde un pequeño pedestal de piedra. A la derecha, un grupo de soldados pelea por la ropa de Cristo, detrás de ellos se encuentra Longhino con la lanza en la mano.
Giotto ha intentado diferenciar cada uno de los rostros con detalles particulares como barbas, color de pelo y trajes para darle más realismo.
Al otro lado tiene lugar una de las escenas más conmovedoras de la vida de Cristo. Su madre, la virgen María se desvanece de dolor en los brazos de San Juan y una de las mujeres.
También delante de la cruz cobra cuerpo otra escena dramática: María Magdalena, rota de dolor y llorando, ha caído de rodilla frente al sufrimiento del hijo de Dios. El cuerpo de Cristo, de una plasticidad desacostumbrada para la época, da cuenta del gran talento del maestro italiano.
A pesar del dramatismo de la escena, la atmósfera es de una gran serenidad y llama al recogimiento.
EL ARRESTO DE CRISTO
EL ARRESTO DE CRISTO
(1302-1305)
Fresco 200cm.x 185cm.
Capilla de los Scrovegni
Padua (ITALIA)
Es ésta una de las obras más dramáticas de las que componen los episodios de la vida y muerte de Jesús.
Giotto ha sabido realizar una composición en la que tanto los contrastes cromáticos, como la puesta en escena reflejan vívidamente la tensión del momento. En el centro del fresco se observa la figura de Cristo envuelta en la capa amarilla de Judas, que lo abraza.
Ambos se miran de frente, Cristo con dignidad y dulzura , mientras Judas, con una malicia primigenia, se apresta a dar el beso de la traición. A su alrededor todo es tranquilidad. Diferentes grupos de civiles y soldados se enfrentan; para reafirmar la situación el pintor ha colocado a todos los personajes de perfil.
Los apóstoles poseen un nimbo que los diferencia de los demás. En el margen derecho Pedro señala la escena.
La plasticidad de los ropajes acentúa el dinamismo de la composición, lo mismo que las diagonales que forman las antorchas de fuego sobre el oscuro cielo de la noche. Todo es movimiento y tensión, brutalidad y desesperación.
