Si las grandes mutaciones históricas conllevan acontecimientos e invenciones específicas, la perspectiva constituye sin duda uno de los principales rasgos el renacimiento.
La perspectiva de los pintores (llamada artificial) se diferencia del estudio de la óptica (perspectiva natural). Esta proporcionó a los artistas cómodos esquemas de construcción, permitiéndoles representar la tridimensionalidad del espacio sobre la superficie plana del muro o del panel (porsteriormente, de la tela).
La imagen de la “ventana” formulada por León Bauttista Alberti (De pictura 1435) resume perfectamente el objetivo: “sobre la superficie a pintar, inscribió un rectángulo de tamaño conveniente, el que consideró como una ventana abierta desde donde se contempla la escena”. Se trata, en términos geométricos, de una proyección crónica que tenía como foco el ojo del pintor (o del espectador) y como superficie de proyección, el plano del cuadro, cuyos bordes definan la “pirámide visual” que contenía todo los elementos de la representación. En consecuencia todas las perpendiculares del cuadro convergían hacia un único centro (punto de fuga) y la escala relativa de los objetos era respetada. Esta visión geométrica, un tanto dura , incluía otros dispositivos: perspectivas de sombras y de colores, y perspectiva atmosférica, en particular el modelado. Finalmente es necesario precisar que la problemática de la perspectiva concernía de igual modo a las tres “artes del dibujo”: si Masaccio , Paolo Uccello o Piero Della Francesca se distinguieron en pintura, los escultores Ghiberti, Donatello y en especial el arquitecto Brunelleschi figuran a la cabeza de los pioneros de esta investigación fundacional del arte moderno.
Dominada hacia fines del Quatrocento, y perfeccionada por Leonardo Da Vinci , la perspectiva alcanzó luego un virtuosismo extremo (escorzo, anamorfosis, cuadratura). Antecesora de la geometría descriptiva , constituyó un rasgo muy significativo del pensamiento humanista y de las ambiciones científicas de la época.
martes, marzo 28, 2006
LA PERSPECTIVA
sábado, marzo 25, 2006
GIOTTO DI BONDONE
Mejor conocido como Giotto (Colle di Vespingano, cerca de Florencia 1267 - 8 de Enero, Florencia, 1337) fue pintor y arquitecto italiano. Es considerado el primer artista de muchos que contribulló a la creación del Renacimiento Italiano
La leyenda como la cuénta Giorgio Vasari, sostiene que a la edad de 11 mientras Giotto cuidaba a una oveja pintaba en un piedra con un pedazo de tiza. El artista Cimabue pasaba y fue cuando lo descubrió dibujando una oveja, tan natural y perfecta que Cimabue inmediatamente le pregunto al padre de Giotto si dejase al niño venir con el como estudiante a estudiar arte. Su padre aceptó y así la carrera artistica de Giotto comenzó en el taller de Cimabue.
Otra de las historias de “Vasari "describe a Giotto como un aprendiz jugetón, pintando una mosca en la naríz de una figura con tal técnica que su maestro Cimabue hizo varios intentos para quitar a la mosca. Esta leyenda es un presagio de la tecnica caracteristica de Giotto de pintar figuras casi reales.
Su arte fue extremadamente inovador y es considerado percursor de la evolución que poco después llevo al renacimiento. Muchos lo creen la llave entre el Arte Bizantino de la avanzada edad media y mas realista y humanístico que floreció en el renacimiento. Las planas y simbolicas figuras del Arte Bizantino dieron camino a las modeladas e invididuales figuras en perspectiva. Giotto adoptó el lenguake visual de escultores al darle volumen y peso a sus figuras. Comparando su Madonna con la de su maestro Cimabue nos muestra porque sus contemporaneos consideraban sus pinturas milagros del naturalismo.
Según Cennino Ceninni, Giotto “ha cambiado el arte de pintar del griego al latín y se ha adaptado al modernismo”
Efectivamente, a su muerte Giotto había modificado profundamente la pintura italiana, de la herencia medieval y bizantina (“griega) al gótico occidental (“latino”).
LOS HEREDEROS DEL ARTE DE GIOTTO
El arte de Giotto se difundió inmediatamente por toda la Italia. Los Gaddi, Tadeo y su hijo Agnolo (activos entre 1330 y 1396), continuaron la experiencia de Giotto en el ámbito de la perspectiva (Capilla Baroncelli), mientras que Andrea di Cione, llamado orcagna , se inspiró en la paleta y en el modelado de Giotto.
Artículos comentados en la clase:
"La belleza ya no es lo que era".
"El fracaso de lo feo"
LA ANUNCIACION DE SANTA ANA
LA ANUNCIACIÓN DE SANTA ANA
(1302-1305)
FRESCO
200cm. x 185cm.
Capilla de los scrovegni
Padua (ITALIA)
Perteneciente a los episodios de la vida de Joaquín y Ana es este fresco que se encuentra en la zona superior del lado izquierdo sobre los ventanales de la capilla de los Scrovegni, conocida también como la Capilla de la Arena. En esta obra, de acuerdo a los criterios del siglo XIV, Giotto utiliza los todavía limitados recursos de la perspectiva para ofrecer una imagen real de un hecho sobrenatural. La escenografía es el interior de una habitación que el espectador ve como si se tratara de una caja abierta. En el centro de la estancia, amoblada y decorada con objetos de uso cotidiano, se encuentra la figura de Santa Ana, de rodillas. Por la pequeña ventana justo frente a ella, se asoma la figura del ángel. Para acentuar el contraste de interior y exterior, Giotto ha representado un ambiente de transición, el pórtico de entrada a la casa. Allí se sienta la sirvienta de la casa, hilando. Se sabe que ésta es la primera representación de un trabajo manual en el arte occidental.
La arquitectura blanquecina se recorta sobre el azul del cielo otorgando una gran solemnidad a la escena.
SAN FRANCISCO PREDICANDO A LAS AVES
SAN FRANCISCO PREDICANDO A LAS AVES
(Detalle de la Predella del altar de San Francisco
recibiendo los estigmas de cristo)
Témpera sobre tabla
Museo del Louvre
Paris (Francia)
El altar al que pertenece esta escena, firmado en la zona inferior del marco, ha sido de fundamental importancia para determinar la autoría de Giotto en los frescos de la iglesia de San Francisco de Asís. El fondo dorado reafirma la opinión de que se trata de una de las obras de juventud de Giotto, cuando todavía no se había iniciado en la experimentación de la perspectiva.
También es cierto que el dorado representa en este caso la atmósfera de santidad, de la eternidad, el no-tiempo y el no-lugar de la primera edad dorada del hombre.
Al repetir Giotto, más tarde, esta escena no dudaría en agregar un paisaje de fondo.
San Francisco predicando a las aves es una de las escenas mas bellas de la vida del santo y el pintor sabe plasmarla con una inimitable dulzura. Debajo del árbol, los pájaros se estremecen inquietos y algunos se aprestan a volar de alegría frente a la tranquila figura de San Francisco que los bendice como parte de la creación.
LA CRUCIFIXION
LA CRUCIFIXIÓN
(1302-1305)
Fresco
200cm x185cm
Capilla de los scorvegni
Padua (ITALIA)
La figura de cristo sobre la cruz rodeado de ángeles que revolotean a su alrededor domina la escena desde un pequeño pedestal de piedra. A la derecha, un grupo de soldados pelea por la ropa de Cristo, detrás de ellos se encuentra Longhino con la lanza en la mano.
Giotto ha intentado diferenciar cada uno de los rostros con detalles particulares como barbas, color de pelo y trajes para darle más realismo.
Al otro lado tiene lugar una de las escenas más conmovedoras de la vida de Cristo. Su madre, la virgen María se desvanece de dolor en los brazos de San Juan y una de las mujeres.
También delante de la cruz cobra cuerpo otra escena dramática: María Magdalena, rota de dolor y llorando, ha caído de rodilla frente al sufrimiento del hijo de Dios. El cuerpo de Cristo, de una plasticidad desacostumbrada para la época, da cuenta del gran talento del maestro italiano.
A pesar del dramatismo de la escena, la atmósfera es de una gran serenidad y llama al recogimiento.
EL ARRESTO DE CRISTO
EL ARRESTO DE CRISTO
(1302-1305)
Fresco 200cm.x 185cm.
Capilla de los Scrovegni
Padua (ITALIA)
Es ésta una de las obras más dramáticas de las que componen los episodios de la vida y muerte de Jesús.
Giotto ha sabido realizar una composición en la que tanto los contrastes cromáticos, como la puesta en escena reflejan vívidamente la tensión del momento. En el centro del fresco se observa la figura de Cristo envuelta en la capa amarilla de Judas, que lo abraza.
Ambos se miran de frente, Cristo con dignidad y dulzura , mientras Judas, con una malicia primigenia, se apresta a dar el beso de la traición. A su alrededor todo es tranquilidad. Diferentes grupos de civiles y soldados se enfrentan; para reafirmar la situación el pintor ha colocado a todos los personajes de perfil.
Los apóstoles poseen un nimbo que los diferencia de los demás. En el margen derecho Pedro señala la escena.
La plasticidad de los ropajes acentúa el dinamismo de la composición, lo mismo que las diagonales que forman las antorchas de fuego sobre el oscuro cielo de la noche. Todo es movimiento y tensión, brutalidad y desesperación.
