Por motivos de público conocimiento la manera en la que trabajaremos los conceptos que quedaron pendientes en clase seran mediante este blog de consulta.
Para trabajar tendrán que tener en cuenta las unidades 3 y 4 que figuran a continuación.
Lo que se evaluará será la unidad 4 completa y de la unidad 3 solo: Durero, Tiziano, Arcimboldo y El Greco. Lo que se les tomará es: el desarrollo del cuestionario, el análisis de las obras y la biografía de los pintores. Las imagenes de los pintores estan posteadas aqui como así también el cuestionario y la biografía de cada autor.
Por lo pronto las clases se retomaran según lo estipulado.

Unidad Nº3: IDENTIDAD CULTURAL

En esta unidad quedo pendiente ver las obras de los pintores mañeristas: Durero, Tiziano, Arcimboldo, El Greco. Estos pintores pertenecen al siglo XVI .
En los texto que ya fueron desarrollados en la unidad vimos el concepto renacimiento y manierismo y los desarrollamos. A continuación podrán ver las pinturas que seleccione para esta unidad de los autores mencionados.

Unidad Nº 4: "MODERNIDAD"

En esta unidad trabajaremos La Modernidad como concepto filosófico y sociológico, que puede definirse como el proyecto de imponer la razón como norma trascendental a la sociedad. Para abordar el tema trabajaremos con textos del libro "CULTURAS Y ESTETICAS CONTEMPORANEAS" de editorial AIQUE. Luego veremos el concepto de modernidad en el arte y para ello trabajaremos con las pinturas de: Caravaggio , Velazquez , Rubens, Rembrandt, David, Goya, Turner y Delacroix.
Tanto los textos como las preguntas para desarrollar se encuntran en los dos archivos que figuran mas abajo para que los puedan descargar.
En el blog encontraran las pinturas a trabajar y los textos visualizados.
Lo que deben realizar con los pintores que fueron mencionados mas arribaes es copiar la biografía de cada uno en sus cuadernos y los análisis de sus obras. Todo el material se encuentra en el blog. Hay algunos pintores que todavía no subi pero en el transcurso de la semana estaran todos.
Recuerden que para cualquier consulta que quieran realizar pueden enviarme un mail
a marielafran48@gmail.com o dejando comentarios en el blog.



Unidad Nº4 parte 1

Unidad Nº4 parte 2





Unidad Nº4: texto visualizado

Para poder ver cada una de estas imagenes por separado tiene que posarse sobre la que desean abrir, una vez que estan sobre la hoja hacen click y la imagen se abrira completamente en un tamaño grande.
Si quieren encuadrar mejor la hoja y poder visualizarla completamente tiene que buscar en la barra de herramientas que esta en el extremo superior de la hoja y hacer click en el icono de word que dice editar con Microsoft office word.
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DURERO SIGLO XVI

ALBERTO DURERO

Pintor precoz y grabador de excepción. Durero (1471-1528) fue una figura dominante del Renacimiento alemán. Su obra universal, que ya en vida fue reconocida y admirada en toda Europa, impuso la impronta del artista moderno, uniendo la reflexión teórica con la transición decisiva entre la practica medieval y el realismo renacentista.
Hijo de un orfebre, Durero muy pronto rompió con lo que hasta entonces era la práctica del grabado. Realizo numerosos viajes, primero a Flandes, en 1490 y luego a Italia, en 1495 y entre 1505 y 1507. Estos desplazamientos le permitieron enriquecer su repertorio y revelaron su capacidad de integrar nuevas formas y su interés por los paisajes y colores de Italia.
La búsqueda de una síntesis entre el arte del Norte y el del Sur
Durante su estadía en Flandes, Durero, tuvo ocasión de conocer a Lucas de Lyden, a Joachim Patinir (o Patenier) y a Martin Schongauer. Ello le permitió profundizar su gusto por el detalle, la miniatura y la rigurosidad en la representación del espacio, que mezclaba el efecto de masa con la caracterización acabada de cada elemento. Durante sus viajes a Italia, se apasiono por el trabajo de los grandes maestros, especialmente del Giovanni Bellini y Andrea Mantengna, y también tomo lecciones de anatomía con León Battista Alberti. Los conocimientos adquiridos en Venecia le permitieron matizar la paleta de sus obras, inclinándose por los camafeos y los colores degradados antes que por la policromía irregular del gótico internacional. Su obra alcanzo la síntesis entre el sistema naturalista de la representación Italiana y el meticuloso lenguaje plástico del Norte de Europa.
Una reflexión teórica sobre la pintura
Durero comprendió rápidamente la necesidad de adquirir un conocimiento racional de la producción artística. Esta voluntad de teorizar se debió probablemente a su compromiso con la reforma luterana. En su diario, tan como un cronista, rendía cuenta de sus hechos y de sus gestos. Durante su estadía en Basilea se integro al grupo humanista de la ciudad y se relaciono con pensadores como Johannes Amerbach y editores como Antón Koberger. Al final de su vida publico numerosos tratados, siempre acompañados por grabados , en los que intento sistematizar sus observaciones. Su introducción sobre la manera de medir (1525) y su tratado sobre las fortificaciones (1527) sentaron las bases de una nueva forma de construir el espacio en perspectiva utilizando proyecciones geométricas. Pero fue sobre todo su tratado sobre las proporciones del cuerpo humano (1528) el que alcanzo el mayor éxito y fue traducido y reeditado muchas veces. Basados en una visión matemática del mundo que conforma una serie de cánones, las tablas cifradas y los grabados explicativos de esta obra codificaron las proporciones del cuerpo humano según edad, corpulencia y sexo. De esta forma Durero estableció como punto central de su trabajo la exactitud en la representación de la anatomía.



Análisis de pinturas
























Eva 1507 Óleo sobre tabla 67cm x 49cm Museo del Prado, Madrid, España

Esta tabla se complementa con la de Adán y fue adquirida por la Reina María Cristina de Suecia para el rey Felipe IV. Con la figura de Adán y Eva, Durero, experimenta una nueva concepción formal del cuerpo humano. En ellas, por primera vez, el pintor, que entonces había regresado de su segundo viaje, intenta representar la perfección del cuerpo humano en versión femenina y masculina, pero con proporciones diferentes a las clásicas, remplazando las ocho cabezas de alto acostumbradas, por nueve. El resultado son figuras más esbeltas, aunque algo inestable. También es cierto que al buscar esa belleza ideal cae el pintor en un acusado goticismo. Sin embargo, no debe tomarse esto como un paso atrás, más bien al contrario.
Existe una cierta similitud entre esos cuerpos contorneados, algo inestables y las vírgenes serpentinazas de los manieristas. De hecho, el manierismo, retomó ciertos cánones góticos de belleza que aplicó al esqueleto del clasicismo. Por ello, Pontormo, Beccafumi, Bronzino y Parmiggianino, tuvieron que regresar a las fuentes del norte de Europa.

Autorretrato con guantes 1498 Óleo sobre tabla 52cm x 41cm Museo del Prado, Madrid, España

En su libro Vida y Arte de Durero, el historiador y catedrático Erwin Panofsky, afirma que este es el primer autorretrato independiente de la historia, por el simple hecho de que ha sido realizado sin ningún propósito ulterior. En él Durero, aparece con una expresión y una postura corporal elegante. Quien se presenta ante el espectador es un hombre que se valora a sí mismo como creador y artista y que busca en el público la aceptación de este hecho. Es el artista del Renacimiento que ya estampa su nombre en cada una de sus obras. El mismo es una de ellas. No se debe olvidar que en este óleo, Durero cuenta veintiséis años y ya conoce las mieles del éxito, pero por sobre todo las cosas, sabe que es uno de los mejores y que pasará a la historia. El fondo del retrato es una arquitectura imponente, en diferentes tonos grises, con una ventana que apenas enseña el paisaje exterior. El vestido del artista en blanco y negro resalta especialmente sobre el gris neutro del fondo. La obra fue adquirida por Felipe IV de la colección de Carlos I de Inglaterra.

TIZIANO SIGLO XVI

TIZIANO VECELLIO
Pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. (1477-1576)
Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.
El conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.

Obra
La carrera artística de Tiziano fue muy dilatada, con una producción grandiosa, la mayoría por encargo. En este pintor se puede comprobar perfectamente el cambio de status producido durante el Renacimiento, pasando de ser artesanos a convertirse en artistas, reconocidos socialmente. La temática de Tiziano es también amplia, retrató a la clase dirigente de su época, recibió encargos de comunidades religiosas y de la nobleza, pintó paisajes, reflejó el clasicismo renacentista y anticipó algunas cualidades del Barroco. En general, podemos dividir su producción pictórica en tres grandes temas: la pintura religiosa, las escenas mitológicas y los retratos. Estas categorías no son compartimentos estancos, debido a que se vieron entrelazadas en muchas ocasiones, como los casos de los retratos de personajes reconocibles dentro de escenas mitológicas o religiosas.

Estilo y técnica pictórica
Existen dos épocas diferenciadas sucedidas en el tiempo en cuanto al desarrollo estilístico de Tiziano debido tanto a su evolución personal como a la de la propia pintura del Renacimiento, que buscaba ámbitos nuevos más alejados del clasicismo inicial.

El dibujo
Los orígenes creativos de Tiziano se encuentran influenciados por su maestro Bellini y por Giorgione .
A pesar de estas influencias externas y de la muy marcada personalidad artística propia del joven pintor, la obra de Giorgione fue para él fundamental, ya que utilizó su mismo lenguaje expresivo e incluso, desde la muerte prematura de Giorgione, en 1510, se consideró su heredero espiritual y con toda naturalidad se encargó de terminar las obras que tenía empezadas.
La personalidad artística de Tiziano fue formándose con peculiares características; sobre el sustrato de giorgionismo se fueron sedimentando notas propias de clasicismo, mediante una íntima unión, auténticamente renacentista, entre razón y sentimiento. Le condujo a encontrar el ideal de belleza figurativa armonizada entre la serenidad compositiva y las vibraciones cromáticas que proporcionan los amplios planos de color. En este periodo inicial, Tiziano ejecutó sus obras con un dibujo más cuidado. Las líneas están mejor trazadas y el dibujo es puro y sobrio, dando mayor empaque a las figuras. El pintor realizaba ya desde un principio bocetos o dibujos preparatorios de manera poco frecuente. Estos bocetos, realizados con tiza, carboncillo o tinta y pluma, eran posteriormente desechados para pintar directamente sobre la tela. Las obras de su primera época ya marcan el paradigma del conjunto de su producción: cuadros religiosos como el Noli me tangere (National Gallery de Londres), figuras femeninas rotundas y plenas como Amor sacro y amor profano (Galería Borghese) y retratos como el de Ariosto (National Gallery de Londres), con el que señala el prototipo de retratos de busto entero.

El color
A mediados del siglo XVI, Tiziano comenzó a experimentar con la técnica que caracterizaría el último período de su producción y que marcaría un nuevo giro en su obra. Curiosamente, antes de su marcha a Roma, entregó a Pietro Aretino un retrato "privado", como prueba de su estrecho vínculo profesional con el escritor toscano. El retrato es de tal novedad que ni siquiera Aretino fue capaz de comprender su alcance y lo juzgó "más bien esbozado que terminado". Esta es la característica fundamental de un período dedicado más al color que al dibujo, el cual se plasmaba de modo rápido y en ocasiones impreciso, sin diseño preparatorio. El resultado denota la inmediatez y la expresividad, captando la realidad en el momento preciso. Los contornos ya no están definidos con exactitud y las anchas pinceladas son extendidas de modo aparentemente veloz, como queriendo aludir al motivo más que describirlo. La materia pictórica queda en evidencia tanto en el rostro, como, sobre todo, en las ropas, con grumos no alisados y frotados con los dedos. El resultado suele ser personajes en movimiento, impregnados de una animación vital totalmente inédita, en claro contraste con la ejecución caligráfica, ligada al dibujo.
Esta evolución personal es muy importante para la Historia del Arte debido a que supone un precedente de posteriores innovaciones, como el Impresionismo, y la propia evolución de la pintura veneciana del siglo XVI no puede entenderse prescindiendo de él. Sin embargo, recibió infinidad de críticas, que eran auténticos ataques a Tiziano por su escasa atención al dibujo.

Influencia
Tiziano dominó al menos dos generaciones de pintores venecianos: la de sus contemporáneos, como Lorenzo Lotto o Sebastiano del Piombo, y la de los pintores que tenían la edad de sus hijos, nacidos en torno al tercer decenio del siglo XVI, como Tintoretto y Paolo Veronese.
Algunos otros artistas surgieron en la familia siguiendo la estela dejada por Tiziano. Su hermano mayor, por ejemplo, comenzó en la pintura a la par que su hermano pero trabajó ensombrecido por el talento del maestro. Sobresale el cuadro San Vito, en la iglesia homónima de Cadore, del que se dice (con poco rigor) que Tiziano estaba celoso. Sin embargo, la carrera de Francesco se desvió a la milicia y posteriormente a la vida mercantil.
Marco Vecellio, llamado Marco di Tiziano, nieto del pintor, nació en 1545. Acompañó a Tiziano en su vejez aprendiendo sus técnicas de trabajo. Algunas de sus obras más notables son el Encuentro entre Carlos V y Clemente VII en 1529, en el Palacio Ducal de Venecia; una Anunciación, en la iglesia de SS. Giovanni e Paolo; y un Cristo fulminante. Un hijo de Marco llamado Tiziano (o Tizianello) pintó a comienzos del siglo XVII.
A una rama diferente de la familia pertenece Fabrizio di Ettore, pintor fallecido en 1580. Su hermano Cesare, que también dejó algunas pinturas, es más conocido por su libro de grabados sobre indumentaria: Degli abiti antichi et moderni di diverse parti del mondo (1590). Tommaso Vecelli, también pintor, murió en 1620. Otro pariente lejano, Girolamo Dante, que fue aprendiz y ayudante del pintor, fue llamado Girolamo di Tiziano. Algunas de sus pinturas fueron retocadas por el maestro, lo que dificulta distinguirlas de las originales.
Aparte de los miembros de su familia, los aprendices de Tiziano no fueron muy numerosos. Los hermanos Bordone, Paris y Bonifazio, fueron dos de los más destacados. Curiosamente, un genio como El Greco fue eventualmente empleado por Tiziano para realizar los grabados de sus obras, aunque este dato es discutido.
El prestigio de Tiziano se mantuvo aunque la técnica pictórica de su etapa final fue sutilmente criticada por sus sucesores, entre ellos Giorgio Vasari. Por esto, a pesar de los explícitos homenajes de Velázquez, Rembrandt y Goya, el arte senil de Tiziano no fue rehabilitado hasta que no se produjo un cambio radical en la moda.





Análisis de obra





















Concierto Campestre
(1522-1523) Óleo sobre tela 175cm X 190cm Nacional Galery, Londres(Inglaterra)


Controvertido y admirado, este cuadro, que sirviera de inspiración al célebre Desayuno en la Hierba (1862) de Manet, no puede asegurarse como una obra de Tiziano. Lo cierto es que la fecha de su realización se corresponde con la época en la que el pintor trabajaba como ayudante de Giorgione. Esto hace pensar que se trata de un trabajo en conjunto o bien que pertenece al grupo de obras que Tiziano tuvo que concluir a la muerte del maestro Castelfranco. Por un lado el naturalismo del paisaje, la suavidad de los contornos y el esfumado de los colores, apuntan a Giorgione, por otro lado, no se debe olvidar que ése, precisamente, es también es el estilo de las primeras obras de Tiziano, claramente influenciado por el discípulo de Bellini. A su vez, las figuras femeninas, recuerdan claramente a la mujer con el niño de La tormenta, la gran obra de Giorgione. Sin embargo, el hecho de que no medie esa prudente distancia masculina, hace pensar en la modernidad de Tiziano. La tela fue comprada por Luis XIV en 1671, de ahí que hoy forme parte de las colecciones del Louvre.






Venus de Urbino 1538 Óleo sobre tela 119cm X 165 cm Galería de los Oficios, Florencia, Italia


Venus, la diosa del amor, fue uno de los temas profanos más recurrentes. Tiziano lo abordó varias veces a lo largo de toda su carrera. No obstante, pocas superan a esta Venus de Urbino, cumbre del sensualismo.
Guidobaldo Della Rovere, duque de Urbino, fue el cliente, de alli en el nombre de la obra. Actualmente el cuadro se encuentra en al Galería de los Oficios debido a que la hija del duque, Victoria, contrajo matrimonio con el duque Ferdinando II de la Toscaza y la obra pasó entonces a formar parte de la colección de los Medici. Tiziano estudió muy bien la composición de su cuadro. Venus aparece desnuda, tranquila, a la vez que perturbadora, en primer plano; descansando sobre la seda blanca de los cojines. Sus únicos adornos lo constituyen un delicado brazalete y un ramo de rosas que se destaca de la piel. Su mirada se encuentra dirigida al observador. Una cortina negra remarca su figura, a la vez que divide en dos el fondo de la escena. A la derecha, una ventana alargada aún más la perspectiva e ilumina a las dos criadas, que se disponen a sacar el ajuar de la diosa del arcón.

ARCIMBOLDO SIGLO XVI

GIUSEPPE ARCIMBOLDO

Pintor italiano, conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos; pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado. En ellos se encuentra una mezcla de sátira y alegoría, como en La primavera y El verano, dos de sus obras más reconocidas. Sus obras fueron vistas en su tiempo como un curioso ejemplo de pintura carente de valor artístico. En época reciente, los surrealistas concedieron gran valor al juego visual de sus composiciones y el carácter grotesco de sus alegorías.
Arcimboldo nació en Milán en 1527. Comenzó realizando diseños para ser reproducidos en tapices y vitrales . En 1556 trabajó con Giuseppe Meda en frescos para la Catedral de Monza. En 1558, pintó el cartón para un gran tapiz de la Dormición de la Virgen María, que hasta el día de hoy cuelga en la catedral de Como.
Estuvo al servicio de los Habsburgo entre los años 1560 y 1587. Se supone que trabajó también en la Italia meridional y que tuvo un taller propio y discípulos en Roma.
En 1562 se convirtió en retratista de corte de Maximiliano II en la corte Habsburgo de Praga. Fue también el decorador de corte y diseñador de trajes.
Su obra convencional, consistente en pinturas tradicionales del género religioso y cuadros en los que las naturalezas muertas como los conjuntos de flores, frutas, mariscos o peces, que crean figuras simbólicas. En efecto, estos retratos pre-surrealistas de cabezas humanas hechas de verduras, frutas y raíces, fueron muy admirados por sus contemporáneos y aún hoy suscitan fascinación. Los críticos de arte están debatiendo actualmente si estas pinturas eran caprichosas o el producto de una mente trastornada.
En 1587 abandonó Praga, para gran desgracia del emperador Rodolfo II que le tenía en muy alta estima, y volvió a Milán donde moriría años después en 1593.




Análisis de pinturas


El verano (1573) Óleo sobre tela 76cm X 64cm Museo del Louvre Paris (Francia)

La obra pertenece a la serie de Las Cuatro Estaciones que Arcimboldo repitiera expreso perdido del emperador Maximiliano II para el príncipe Elector de Sajonia. No existen dudas acerca de la autoría del pintor, ya que su firma y el año aparecen en el cuello y el hombro, respectivamente, del vestido de espigas trenzadas del personaje. La cabeza se encuentra orientada con el perfil hacia la derecha porque va asociada a la tela correspondiente al otoño, que mira hacia la izquierda. Arcimboldo utilizaba la simetría para marcar la relación entre ambas estaciones, caracterizadas por la falta de agua. La cabeza se encuentra construida a base de frutas maduras propias de la estación. Ciruelas, moras y cerezas, se entrelazan con verdes hojas a modo de corona. En el rostro, un durazno maduro hace las veces de mejilla sonrosada. La nariz es un zapallito verde amarillento, en contraste con las rojas cerezas que caen formando los labios. Una hilera de arvejas dentro de su chaucha conforman los dientes. En la zona que se corresponde a las orejas se perciben una mazorca de maíz, algo que indica que a la corte ya llegaban productos exóticos del nuevo mundo. Sobre el pecho, a modo de broma final, un alcaucil simula una condecoración.






El otoño (1573) óleo sobre tela 76 cm X 64 cm Museo del Louvre París (Francia)

Arcimboldo representa El Otoño, en marcada oposición a la tela con la que va relacionada, El Verano, como un hombre de edad madura. Se trata de un personaje de rasgos más bien grotescos. La cabeza la forma una corona de racimos de uvas sobre la que se apoya una calabaza. El rostro combina una pera como nariz y una manzana por mejilla, mientras que una granada, escondida bajo una barba vegetal, hace las veces de mentón. La boca es espinosa. Del hongo que simula la oreja cuelga un higo maduro como pendiente. Un grupo de hortalizas se apoya como cuello sobre una tinaja de maderas desvencijadas, que es el traje. La alegoría es doble, ya que además de representar la estación otoñal, el cuadro hace alusión a la imagen del dios Baco por su tocado de uvas. Arcimboldo relacionaba las telas de Las Cuatro Estaciones entre si por pares, pero además existía una correspondencia con las de Los Cuatro Elementos (1566). Esta estación, además de corresponderse con El Verano por la sequía, debe vincularse con el cuadro de La Tierra (1566) por lo frío y lo seco. De esta manera daba muestras el pintor del perfecto equilibrio de la creación divina.

EL GRECO SIGLO XVI

EL GRECO Y LA INTRODUCCIÓN DE LOS MODELOS ITALIANOS

Pintor español. Aunque nacido en Creta, isla que en aquella época pertenecía a la República de Venecia.
Alumno de Tiziano en Venecia y marcado por el arte de Miguel Angel en Roma, El Greco se estableció en toledo hacia 1584. Allí desarrolló una pintura marcada por la manera veneciana (el espacio arquitectónico de Tintoretto,la alquimia colorista de Tizziano) y por las composiciones manieristas que privilegiaban las formas alargadas y los gestos grandilocuentes. Al poco tiempo, El Greco superó la imitación y comenzó a realizar una iconografía propia, en la cual la tensión vertical de los cuerpos y la utilización de una paleta fría creaban un clima de religiosidad extasiada. El mecenazgo del rey impulsó las relaciones artísticas entre Italia y España.
Una vez en Toledo, por invitación del canónigo Diego de Castilla, El Greco recibió un encargó del canónigo, realizar un retablo para la iglesia de Santo Domingo el Antiguo. Llevaba diez años en Toledo cuando Felipe II le encomendó una obra para el monasterio de El Escorial; pero El martirio de san Mauricio no gustó al soberano español, quien ya nunca volvió a contar con el artista.
Ello supuso una decepción enorme para El Greco, ya que aspiraba a convertirse en pintor de corte, pero no entorpeció su carrera, puesto que era ya un pintor solicitadísimo tanto por los aristócratas como por los eclesiásticos toledanos. No es de extrañar, por tanto, que su obra sea extraordinariamente fecunda

CARAVAGGIO SIGLO XVII

MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO

Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca(1573-1610)
Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.
En lugar de buscar bellas figuras etéreas para representar los actos y personajes de la Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, niños de la calle o mendigos posaron a menudo para los personajes de sus cuadros. Para La Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática. Para el San Juan Bautista con el carnero, muestra a un jovenzuelo de mirada provocativa y en posición lasciva –se decía que el modelo era uno de sus amantes.
La posición de la Iglesia al respecto da testimonio de cierta esquizofrenia: por una parte, este tipo de vulgarización de la religión le interesa mucho en una época en la que la contrarreforma se extiende por la Italia católica, con el fin de mostrarse bajo una apariencia humana en contraste con la austeridad pregonada por el protestantismo; por otra parte, la representación de los santos bajo rasgos vulgares de golfos salidos de los bajos fondos, fue juzgado incompatible con los valores de puridad y de santidad cuasi aristocráticos que vehiculaba la Iglesia de la época.
Este sentimiento se reforzó por la elección de Caravaggio de preocuparse enormemente por el realismo en la ejecución de sus figuras: rechazaba corregir las imperfecciones de sus modelos para representarlos más «bellos» o de un modo más acorde a las visiones que la Iglesia tiene de sus santos. Por ejemplo, la primera versión de su San Mateo y el ángel fue rechazada no sólo por la sensualidad del ángel, que fue juzgada como trivial, sino también por la suciedad de los pies del santo, minuciosamente reproducida del modelo.
La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tíber. Así, la consideración de la Iglesia católica hacia Caravaggio y sus cuadros oscilará de un extremo a otro de su carrera entre el acogimiento entusiasta y el rechazo absoluto. El pintor encontrará en ella sus mayores protectores –como el cardenal Del Monte- así como a sus más grandes enemigos.
En 1606 asesinó a un hombre durante una reyerta (pelea callejera), por lo que huyó de Roma pues las autoridades habían puesto precio a su cabeza.
Paso el resto de su vida exiliado en Nápoles, Malta y Sicilia. Finalmente sus enemigos lo encontraron y le desfiguraron la cara. Murió de malaria en 1610.
La contrarreforma ( fue la respuesta a la reforma de Martin Lutero) motivó la necesidad de crear más iglesias para difundir la doctrina, por lo que las pinturas fueron imprescindibles para su decoración. La Contrarreforma necesitaba buscar un nuevo arte que expresase de mejor forma la doctrina católica en contraposición al protestantismo. Tomando como base las reglas del manierismo, Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, en la que combinó figuras cerradas con la observación física, dramática y teatral de los objetos, a lo que sumó el aprovechamiento del claroscuro, es decir, el uso de luces y sombras.
En su tiempo Caravaggio fue famoso, apreciado, reconocido y además ejerció gran influencia sobre sus contemporáneos. Sin embargo, en siglos posteriores su fama fue eclipsada por otros pintores de su época como Poussin, Rubens o Rembrandt, si bien todos ellos acusaron su influencia en mayor o menor medida. Fue hasta el siglo XX, cuando su figura recobró importancia al estudiarse nuevamente el arte barroco italiano.


Analisís de obras
Baco 1595 Óleo sobre tela 94 cm x 85 cm Galería Uffizi, Florencia, Italia

Rebelde por naturaleza, Caravaggio pintó un Baco destinado a escandalizar a sus contemporáneos. El antiguo dios del vino y de la celebración de la naturaleza de la mitología clásica, deviene aquí una figura andrógina, de rostro delicado, de rostro delicado, con los labios seductores y una pose absolutamente femenina. No hay ninguna relación con la naturaleza, nada recuerda a Dionisio- el antecesor griego del Baco romano-. Todo en esta tela es Mórbido, de una sofisticación ajena a cualquier moral. El cuerpo inclinado ofrece la copa llena, invita a compartir placeres equívocos. Queda en este joven Baco, además, la capacidad de Caravaggio para contar historias y evidenciar la moraleja que de ellas se desprende. Hermoso es el hermafrodita, pero queda claro que sus placeres serán transitorios. Durarán tanto como lo que dispone para el banquete.
La pintura es de su etapa juvenil: tenía 22 años al realizarla. Poco vivió Caravaggio, pero lo hizo exprimiendo hasta el final todo cuanto la vida puso a su disposición.

La cena en Emaus 1606 Óleo sobre tela 145 cm x 195 cm Pinacoteca de Brera, Milán , Italia

¿Y por qué Jesús no podría haber sido así? Se preguntaba el autor ante los reclamos por el aspecto de su cristo, cuya apariencia joven y vital representa la feliz certeza de la vida eterna. Probablemente su pintura más celebre, retrata una secuencia del encuentro de Jesús con dos de sus apóstoles en Emaus, camino a Jerusalén. Ha caído la noche, dice Caravaggio utilizando en forma magistral la pintura para narrar la historia, cuando el señor sorprende a los peregrinos en medio de la colación. El instante es dramático, el hecho inesperado.
Uno de ellos abre los brazos a la vez sorprendido, incrédulo y alegre porque la promesa ha sido cumplida. El ademán recuerda inevitablemente a la crucifixión . Un momento culminante de la espiritualidad cristiana tiene lugar, pero nada hay asociado a la espiritualidad ultraterrena en este Jesús, que nos remite en forma obligadla mundo concreto.

VELAZQUEZ SIGLO XVII

DIEGO VELAZQUEZ


Diego Rodríguez de Silva y Velázquez conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura internacional.
Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturista y caravaggista. A los 24 años fue nombrado pintor del rey y 4 años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la contemporánea. En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como la rendición de Breda.
En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: las meninas y las hilanderas.
Su catálogo consta de 120-125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente hacia 1850. Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como pintor de pintores y el más grande pintor que jamás ha existido.
Su estilo pictórico
Velázquez pintaba sus personajes con contornos precisos y destacándolos claramente de los fondos, sus pinceladas eran opacas y empastadas.
En su primer viaje a Italia realizó una radical transformación de su estilo. En este viaje el pintor ensayó nuevas técnicas buscando la luminosidad. Velázquez, que había ido desarrollando su técnica en los años anteriores, concluyó esta transformación a mediados de 1630 donde se considera que encontró su lenguaje pictórico mediante una combinación de pinceladas sueltas de colores transparentes y toques precisos de pigmento para resaltar los detalles.
La preparación de los cuadros cambió y se mantuvo el resto de su vida. Se componía básicamente de blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad complementada con pinceladas cada vez más transparentes. En la rendición de Breda y en el retrato ecuestre de Baltasar Carlos, pintados en la década de 1630, concluyó este cambio. El recurso de fondos claros y capas transparentes de color para crear una gran luminosidad eran frecuentes en pintores flamencos e italianos, pero Velázquez desarrolló esta técnica hasta extremos nunca vistos.
Esta evolución se produjo debido al conocimiento de la obra de otros artistas, especialmente la colección real y los cuadros que estudió en Italia. También por su relación directa con otros pintores, Rubens en su visita a Madrid y los que conoció en su primer viaje a Italia. Velázquez desarrolló su propio estilo de pinceladas diluidas y toques rápidos y precisos en los detalles. Estos pequeños detalles tenían mucha importancia en la composición. La evolución de su pintura prosiguió hacia una mayor simplificación y rapidez de ejecución.
Velázquez, no hacía dibujos preparatorios, simplemente hacía un bosquejo de las líneas generales de la composición. En muchas de sus obras sus célebres correcciones se aprecian a simple vista. Los contornos de las figuras se van superponiendo en el cuadro según modificada su posición, añadía o eliminaba elementos. A simple vista se pueden observar muchos de estos ajustes: modificaciones en la posición de las manos, de las mangas, en los cuellos, en los vestidos. Otra costumbre suya era retocar sus obras después de concluidas, en algunos casos estos retoques se produjeron mucho tiempo después.
La paleta de colores que empleaba era muy reducida utilizando en toda su vida los mismos pigmentos. Lo que varió con el tiempo es la forma de mezclarlos y aplicarlos.

Análisis de pinturas

Las Meninas 1656 Óleo sobre tela 318cm x 276cm Museo del Prado, Madrid, España

Obra maestra del artista y uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos. Las Meninas presenta varias escenas, todas ellas en perfecta armonía. En el centro está la infanta Margarita, acompañada por sus damas compañía, sus criados, una enana y un niño que juega con un perro. A la izquierda, el autorretrato de Velásquez, en cuyo pecho podemos ver la cruz de la orden de Santiago, incluida en la tela después de su muerte. Los reflejos del rey y la reina surgen en un espejo detrás de la infanta, revelando el trabajo del artista, que es retratar a la casa real. Encima del espejo hay dos cuadros del archivo del palacio; y en el fondo, un hombre entra en escena y hace mover la cortina, dejando entrar la luz en el ambiente y otorgándole luminosidad al cuadro.
Pintada en 1656, con el título de La Familia, la tela fue salvada de un incendio que afectó al castillo real en 1750, y pasó al Museo del Prado, en 1819, recibiendo algunos años más tarde el título de Las Meninas.


La rendición de Breda ó las Lanzas 1635 Óleo sobre tela 310cm x 370cm Museo del Prado, Madrid, España

También en los temas históricos el pintor español demostró ser brillante, como en el caso de este cuadro, igualmente conocido como las lanzas, en virtud de la gran cantidad de armas empuñadas por los soldados. La obra fue concluída 1635 y narra la capitulación de la ciudad holandesa de Breda, que se rindió en 1625, después de un cerco de diez meses impuesto por el ejército español.
La escena representa el conde Justiniano de Nassau reconociendo la supremacía del adversario y entregando las llaves de la ciudad al vencedor, Ambrogio Spínola. La actitud noble de Spínola al posar la mano sobre el hombro del conde Justiniano quedó inmortalizada en la tela, resaltando la profunda sensibilidad del artista, una vez que huye de la alegoría para concentrarse en el drama humano. El pintor se inspiró en grabados y descripciones para componer la escena, pues los dos personajes principales ya estaban muertos cuando elaboró el cuadro, lo que es irónico, considerando la fidelidad de los retratos. Esta pintura formaba parte de una serie de doce obras con temas militares que decoraban el Palacio del Buen Retiro, en Madrid.

RUBENS SIGLO XVII

PETER PAUL RUBENS

Pintor flamenco nacido en 1577, fue líder de la escuela flamenca del siglo XVII, y considerado como el representante más genuino y completo del estilo barroco. Su influencia fue enorme en la pintura europea, tanto por su amplísima producción como por la difusión de sus diseños mediante grabados.
Fue la gran figura del Barroco en la Europa del Norte. Las fuentes lo recuerdan como un gran humanista, un idealista clarividente, hombre reservado y honesto que despreció la actitud arrogante de los poderosos.
En razón de las creencias religiosas de su padre Jan Rubens, abogado calvinista, pasó su primera infancia en Alemania. En 1589, dos años después de la muerte de su padre, se trasladó con su familia a Amberes donde estudió pintura con tres artistas poco conocidos; uno de ellos, Otto Vaenius (1556-1629), le indujo a realizar el tradicional viaje a Italia, que resultó decisivo para la formación del artista; en Amberes, fue criado y educado en el catolicismo; de hecho, la religión figura de forma prominente en su obra, llegando Rubens a simbolizar por excelencia y en el más alto grado el estilo pictórico del catolicismo.
A lo largo de ocho años (1600-1608) recorrió los principales centros artísticos italianos y copió obras maestras para la colección de su mentor, el duque de Mantua. Durante el período italiano produjo sus primeras obras (La exaltación de la cruz, El bautismo de Cristo), muy influidas todavía por la pintura italiana y alejadas de su estilo de madurez. Lo más relevante de esta época es seguramente la serie de retratos aristocráticos que pintó en Génova.
Viajó a España en 1603, donde fue enviado por el duque de Mantua para llevarle unos presentes a Felipe III y donde realizó algunas obras (Retrato ecuestre del duque de Lerma -adquirido en 1969 por el Museo del Prado para celebrar su sesquicentenario-). En 1608 regresó a Amberes debido a una grave enfermedad de su madre y se estableció definitivamente en esta ciudad, que sólo abandonó más adelante para la ejecución de encargos concretos. Abrió en Amberes una casa-taller en la que, con la colaboración de numerosos ayudantes especializados, ejecutó gran número de obras en respuesta a la multitud de encargos que recibía.
En las realizaciones de los años 1601-1614 (Adoración de los Magos, Anunciación, El descendimiento de la cruz), la personalidad artística de Rubens aparece ya definitivamente formada: grandiosidad y sentido dramático, dinamismo intenso, pasión por el dibujo. Paulatinamente, los intereses del artista se amplían y añade el género mitológico al religioso, así como el paisaje y el género costumbrista. Mitológicas son, de hecho, algunas de sus obras más conocidas, como Las tres Gracias, el Rapto de las hijas de Leucipo o Diana y las ninfas, en las que resulta evidente la inclinación del artista hacia las musculaturas poderosas, las carnes sonrosadas y exuberantes y las tonalidades claras y alegres.

Su Obra

Rubens fue un caso extraordinario en la historia de la pintura, ya que en él se aunaban una inventiva casi ilimitada, el refinamiento del color, una deslumbrante capacidad de trabajo y, no en menor grado, habilidades comerciales y de trato personal. Su sofisticada educación y don de gentes le abrieron las puertas de todas las cortes europeas, lo que le permitió acaparar encargos. Organizó en Amberes un amplio taller, donde con la ayuda de discípulos produjo centenares de pinturas de todos los temas y formatos.
Rubens fue un artista ambicioso, que no se asustaba ante ningún proyecto por grande que fuese (en palabras suyas), pero al mismo tiempo fue de trato accesible y muy atento con sus colegas. Llevó una vida tranquila, si bien llena de lujos, y se aficionó al coleccionismo. En Amberes subsiste la Rubenshuis, la Casa de Rubens, que recientemente exhibió una selección (forzosamente reducida) de los tesoros artísticos que reunió, luego dispersos por museos de todo el mundo.
Gracias a los encargos que le hizo Felipe IV, el Museo del Prado posee la colección más grande del mundo de obras de Rubens, con cerca de 80 pinturas catalogadas. Destacan en España otros ejemplos del artista en el Museo Thyssen-Bornemisza, Academia de San Fernando, MNAC de Barcelona, Palacio de Liria de Madrid


Análisis de pinturas


















Las tres gracias 1636-1638 Óleo sobre tela 221cm x 181cm Museo del Prado, Madrid, España

Son en la mitología griega las tres hijas de Zeus, consagradas a la alegría y los festines de Afrodita, la diosa del amor. La figura de la derecha retrata a Helena Fourment, la segunda mujer de Rubens; sus formas opulentas serán muchas veces su modelo del cuerpo femenino. Ella fue, además, la musa inspiradoras de temas mitológicos y religiosos. Este fue uno de los últimos cuadros del artista y nunca quiso desprenderse de la tela que, tras su muerte, adquirió el rey de España, Felipe IV. Durante casi todo el siglo XVIII el cuadro, junto con otros del pintor, estuvo secretamente guardado bajo llave: Carlos III consideraba que era una obra pecaminosa. Lo cierto es que el grupo de tres desnudos entre los árboles está hecho al modo antiguo. Los motivos de la antigüedad son un constante en Rubens, formado en el clasicismo Italiano. La belleza física y la exuberancia y vitalidad de las modelos corresponden al ideal imperante en la época.









Baile campestre 1636-1649 Óleo sobre madera 73cm x 106cm Museo del Prado, Madrid, España












En piezas como ésta encontramos el espíritu festivo y la desbordante y arrolladora sensualidad que delatan a un Rubens flamenco y vital. El estilo decididamente barroco de la pintura la sitúa entre los hitos referenciales insoslayables de una importante tendencia del arte del siglo XVII. Como en otras obras suyas, aquí el movimiento es lo que confiere esa característica tan especial a la obra del pintor. Pocos trabajos de Rubens son estáticos: aún en los retratos lo principal es el dinamismo que expresan. El grupo de bailarines entrega la alegría y la felicidad de vivir: se tocan, se miran, y sugieren un antes y un después de lo que el cuadro representa. La pintura también refleja un período de paz en Rubens, que a la fecha vivía con su familia en el campo: es la naturaleza la que le inspira estos temas, sus paisajes líricos y espontáneos, los tonos claros, lo jocundo sobre el tema.

REMBRANDT SIGLO XVII

Rembrand

Fue considerado uno de los más grandes pintores de la historia. Pero así como fue un artista estimado e imitado en el siglo XVIII, y sobre todo en este siglo por su tratamiento del claroscuro y por la fuerza emocional de sus retratos, su audacia formal desconcertó a sus contemporáneos de su gusto burgués.
Contrariamente a la imagen de espinal forjada en el siglo XIX, Rembrandt no fue celebrado ni conocido por todos en vida. En 1681, el critico Andries Pels, al calificarlo de primer hereje de la pintura, subrayo el carácter singular de su personalidad y de su obra.

Una concepción original del claroscuro

Su singularidad se manifestó desde los primeros años en el taller Lastman, pintor de temas historicos de Ámsterdam, los cuadros de este período revelan su conocimiento de la pintura italiana y de las tendencias barrocas de Rubens. Rembrandt muestra en ellos un dominio único del claroscuro, que desarrolla a lo largo de su carrera, al asimilar la lección de los caravaggistas.
Insistió en los modelos aunando campos de luz y de sombra. Los violentos contrastes entre lo claro y lo oscuro hacen que sus composiciones sean dinámicas y comprometen a todos lo protagonistas en la acción dramática.
Este tratamiento de los contrastes lumínicos le permitió expresar la interioridad humana, la intensidad emocionadle un rostro o la introspección profunda de una escena de género. Sus composiciones poderosas y muy variadas en la elección de los motivos, lejos de la minuciosidad analítica holandesa, querían expresar la verdad imperfecta de lo íntimo.

La pintura: materia y estado de ánimo

En Ámsterdam, Rembrandt fundo en 1631 un taller que reunió a pintores de calidad, los que perdurarían como asistentes del mismo. Su clientela estaba compuesta por burgomaestresy notables de la ciudad, por lo que realizo numerosos retratos y pinturas históricas. Con la madurez Rembrandt le asigno una importancia mayor a la economía de medios y rechazo la grandilocuencia, pues confiaba en la fuerza expresiva de la ejecución pictórica. Sus composiciones más que acciones explicitas muestran el movimiento y la violencia por medio de una pincelada visible. También en algunas pinturas se muestra el uso sabio de los accesorios y del vestuario.
Rembrandt fue ante todo un maestro de la materia, después de dibujar varios bocetos sobre una aguada de color pardo, definía la composición y esparcía los colores en capas espesas. Con el pincel construía las formas, hasta llegar a los detalles. Rembrandt se intereso por los detalles, por todos los géneros de la pintura y trabajó con éxito en el grabado, del que renovó el vocabulario y la técnica. Al final de su carrera, a pesar de tener una situación personal y financiera difícil, emprendió audaces investigaciones visuales en las que predominaba las manchas transparentes y los colores fuertemente empastados de radiante luminosidad, lo que le permitió expresar la interioridad física de la pintura.



ANALISIS DE LA OBRA


la ronda nocturna
(1642)
óleo sobre tela
363cm x 437cm
Rijksmuseum, Amsterdam, Holanda

Crucial en la carrera del pintor, este cuadro resume todas las creaciones anteriores y anuncia innovaciones futuras.
El virtuosismo de la obra fascina y espanta por el brillo de los metales,la luminosidad de los trajes, las fisonomias expresivas, los gestos exactos y la luz perfecta. El efecto era aun mayor cuando media casi cuatro metros por cinco metros. Pero en el siglo XVIII la obra fue cortada para adornar una pequeña sala de la cámara Municipal. La escena congela la orden de partida de la compañia comandada por el capitan Frans Banning Cocq. Un instante sin pasado y de futuro desconocido. La única certeza es el dinamismo de los elementos, los colores en contraste y la composición de una fotografía muy anterior a la existencia de la máquina de fotografía. El primer plano es del capitán y su teniente. Otros personajes ganan gesticulación y movimiento en la boca. Apenas dos son femeninas, una de vestido dorado y otra casi oculta. El artista finalizó el cuadro el mismo año de la muerte de su esposa, Saskia van Uylenburgh.

La cena de Emaús
(1648)
óleo sobre tela
68cm x 65cm
Museo del Louvre, Paris, Francia

Son 24 los trabajos dentro del género religioso, casi todos tratando pasajes posteriores a la muerte de cristo. Esta es la obra sobre este tema considerada mejor acabada por el maestro, en la cual los gestos intensos de los discípulos resaltan la importancia del momento y la naturaleza sobrenatural de jesus. La personalidad divina del hijo de Dios se impone sobre sus compañeros y su paz interior es irradiada por todo el ambiente. La oscuridad se funde con la luz formando una penumbra mística, impidiendo que las formas queden nítidas. La arquitectura alta y la luz de un horno de pan exaltan las figuras de alrededor. Igual que en sus otras obras religiosas, esta no consiguió un comprador interesado, ya que en holanda del siglo XVIII, el género biblico había dejado de constituir una categoría importante para la pintura. Las personas que poseían dinero vivían en casas menores, que requerían obras con motivos de animales, paisajes o costumbrista.

DAVID SIGLO XVIII

A partir de la herencia de Nicolas Pousin y del estudio ideal antigu, las pinturas de Jacques-Louis David propusieron una visión de la historia que coincidía con las aspiraciones modernistas surgidas de la ilustración. Su proeza consistió en formular la dinámica de lo real contemporáneo mediante el rigor formal de la tradición.
Las primeras obras de David marcadas por la influencia de su maestro se orientaron progresivamente hacia el gran estilo, al aunar dos influencias, la de su viaje a Italia, en el transcurso del cual admiró particularmente las ruinas de Pompeya y de Herculano. Así inauguró una nueva perspectiva de la historia del arte fundada en el análisis estético y filosófico de las formas de la Antigüedad clásica. El arte debía encarnar un ideal que fuera a la vez formal, político y moral. Más alla de la esfera plástica, esta reacción influyó en escritores tales como Goethe y Schiller.
El juramento de los Horacios(1784)fue el primer manifiesto de este gran estilo.David reemplazo el colorido de los pintores galantes por composiciones sobrias y rigurosas, en la línea de los cuadros de Pousin. En ellos la sobriedad del dibujo buscaba la expresión justa y rechazaba cualquier detalle insignificante.
El taller fundado por David no respondía a posturas doctrinarias. Formado por una comunidad de artistas que se anticiparon a los modelos de la época,era un lugar de debates estéticos en el que sus numerosos alumnos tomaban contacto con las soluciones estéticas de su maestro y las discutían ampliamente. David consideraba que la Antigüedad era la gran escuela de los pintores modernos, pero también era un gran observador de la realidad y trataba de pintar de manera acertada y precisa desde el primer momento. Considerado aún hoy el último representante de la gran tradición pictórica, enseño a sus alumnos el amor por lo bien hecho y el perfecto dominio de la técnica, basado en el dibujo de la antomía, a fin de representar de manera precisa la naturaleza.

GOYA SIGLO XIX

Francisco de Goya

Entre la ilustración y el romanticismo, la obra de Goya inicio una era de modernismo en la cual la pintura conquisto su autonomía.

Pintor de la corte
En 1786 Goya se transformó en el retratista de moda de la alta sociedad madrileña, de la que adopto sus ideas liberales e ilustradas. En paralelo y durante cerca de 20 años (1774-1792) produjo unas sesenta obras, destinadas a la manufactura real de tapices de Santa Bárbara, en la que aparecían escenas campestres y diversiones populares. Esta pintura costumbrista que recordaba las fiestas galantes le permitió realizar una investigación pictórica sobre el color, la luz y la atmósfera que contrastan con el academicismo de sus retratos de corte exhibían, en contra de las prescripciones del neoclasicismo, una pincelada que asumía su materialidad.

La locura del mundo
En la década de 1970, el estilo del pintor se modificó radicalmente. Marcado por la expulsión de sus antiguos protectores por el nuevo régimen y atacado por la sordera en 1972, se dedico, especialmente en su serie de grabados llamados caprichos, a realizar una sátira violenta de un mundo sobre el que veía extenderse progresivamente la noche, la locura y la muerte.
Este terror, en el cual el filósofo británico Edmund Burque situaba, desde 1757, el sentimiento de lo sublime, fue también fruto del entusiasmo europeo por el tema iniciado por los relatos de Edgard Young( Las noches 1747) y de Horacio Walpole( El castillo de Obrante, 1764) y que se prolongo con los cuentos de E.T.A. Hoffman, la novela gótica inglesa y los relatos fantásticos de los románticos franceses.
La serie de los desastres de la guerra, pintura de los honores de la campaña napoleónica (1808-1813), unía a la inspiración macabra y de pesadilla del romanticismo negro el sentimiento personal, reforzado por la enfermedad del artista, frente a la ferocidad absurda de un mundo que ya no era el de la ilustración.

Sólo la pintura
Recluido en el silencio de su casa, la quinta del sordo entre 1820 y 1823, Goya creo un ciclo de frescos conocidos como las pinturas negras un universo de grutescos y acuarteles dominado por la figura de saturno devorando a uno de sus hijos. Estas obras auguraban una expresión pictórica nueva que, según el anhelo de los filósofos románticos alemanes, mostraría un arte liberado de la moral y de la imitación. Venerado Gautier gran admirador de los aquelarres en sus años romanticos y por Baudelaire, que consideraba que en sus pinturas no se distinguía lo real de lo fantástico, Delacroix reconoció en Goya un modelo de inspiración.

Algunas fechas
1746 Nace Francisco de Goya y Lucientes en una pequeña aldea aragonesa
1775 Pintura de los cartones para la Manufactura real de las tapicerías
1780 Es recibido en la academia de San Fernando
1786 Es nombrado pintor del rey Carlos III
1789 Es nombrado pintor de la cámara de Carlos IV y se convierte en el retratista de moda de la corte
1792 Goya se enferma y queda sordo
1793-1799 Serie de los Caprichos
1799 Es nombrado primer pintor del rey
1810 Serie de los desastres de la guerra
1814 Fusilamiento del tres de Mayo de 1808
1816 Serie de la tauromaquia
1819 Cae de nuevo gravemente enfermo
1820-1822 Decoración de los frescos de “La Quinta del sordos”
1823 Fernando VII recobra el poder real. Goya se exilia en Francia. Nuevas Tauromaquias.
1828 Muere en Burdeos

Pinturas para analizar

La Vendimia
1786-1789
Diseño de tapicería
275cm x 200 cm
Museo del Prado,
Madrid, España

La Vendimia es uno de los 63 cartones pintados por Goya entre 1775 y1779, mientras trabajó para manufacturas Reales, bajo las ordenes de su cuñado Francisco Bayeu. Esta es la primera producción importante del pintor y el trabajo no era en absoluto sencillo ya que Goya debía confeccionar bastidores coloridos de tamaños exagerados que servirían de modelo para aplicar en tela de tapicería. Por ello las dimensiones exageradas de las pinturas. La vendimia tiene 2.75 m de alto por dos de largo, es una pintura calida donde se puede observar una representación burlona, apacible, propia de la vida campesina. En los personajes se observa traslapo justamente porque en la pintura se diferencian dos escenas en diferentes planos. Es decir en un primer plano se desarrolla la escena de los cuatros personajes donde se notan detalles de sus rostros y vestimentas, hay un gran predominio de la línea curva y entrelazo de formas. En un segundo plano se puede vislumbrar a dos campesinos realizando trabajos de recolección, estas figuras no tienen tantos detalles como los anteriores. Si continuamos el recorrido de la pintura notaremos como poco a poco los detalles se van perdiendo hasta esfumarse en el paisaje.
El clima de la pintura es alegre y no recuerda los trazos sombríos y dramáticos que caracterizan la obra más conocida de Goya.
La pintura prueba además su versatilidad y dominio de las técnicas de su oficio, presentes aun en estos trabajos por encargos.


La maja desnuda
1803-1806
Óleo sobre tela
97 cm x 190
Museo del Prado
Madrid, España

Este desnudo de la Duquesa de Alba constituyo uno de los mayores escándalos de la época en la corte española. Incluso años después, en 1814, Goya debió explicar al Santo Oficio por qué había osado realizar tan obsceno e inmoral retrato.
Los nobles y religiosos no habían pasado por alto la insinuación de la mirada de la modelo, que en su inmovilidad resulta provocadora.
El erotismo se desprende de la luz, de la posición de los brazos, de la atmósfera íntima que la mirada femenina de algún modo hace perturbadora. Esta imagen es un claro ejemplo de figura fondo, un cuerpo claro que ocupa gran espacio en la pintura, el cuer po de la mujer se encuentra iluminado, todo lo contrarío se observa en el fondo con pocos detalles y oscuro. Hay un gran predominio de la línea curva que acentúa más el volumen de las formas.
Al realizar un segunda mirada más detenida a la mujer se observa que hay escorzo en una de sus rodillas, esta exageración de la misma provoca una lectura en partes del cuerpo, que comienza por las rodillas y continua hasta llegar a la cabeza. La leve flexión en sus piernas hace más notable el punto de apoyo del cuerpo.
Goya intimida al descubrir acaso la naturaleza de la feminidad. La mujer yacente no muestra los rasgos habituales atribuidos a su sexo. No se advierte fragilidad ni sometimiento alguno, sólo el reposo de quien se basta a si mismo.
La duquesa tenía unos 34 años. Era una mujer independiente e impulsiva, probablemente vivió una relación muy personal y pro

TURNER SIGLO XIX

Joseph Mallord William Turner nació en Covent Garden, Londres el 23 de abril de 1775 (dato discutido) y murió el 19 de diciembre de 1851. Es considerado un artista romántico del paisaje inglés, cuyo estilo condujo a la fundación del Impresionismo.

Vida y carrera
Turner entró en la Royal Academy of Art con tan sólo 14 años. Al principio, mostró un entusiasta interés por la arquitectura, pero su actividad pictórica fue estimulada por el arquitecto Thomas Hardwick (junior). Sir Joshua Reynolds, presidente de la Real Academia en aquel tiempo, admitió a Turner abocándolo definitivamente al mundo del arte. En 1790, tras solo un año de estudio, una acuarela suya fue aceptada para la exposición veraniega de la Real Academia de aquel año. Su primer óleo, Fisherman at Sea, fue exhibido en 1796. Durante el resto de su vida, expuso regularmente en la Academia.
En su juventud aprendió las técnicas de la acuarela en compañía del pintor Thomas Girtin, con quien coloreó varias láminas para ilustrar libros de viaje.
Es comúnmente conocido como el pintor de la luz, renombrado no sólo por sus óleos sino también como acuarelista, pues se le considera uno de los fundadores de la pintura paisajística inglesa a acuarela.
Uno de sus cuadros más famosos es El temerario remolcado a dique seco, pintado en 1839, depositado en el National Gallery de Londres.
Turner viajó alrededor de Europa, iniciando su travesía en Francia y Suiza en 1802, estudiando en el Louvre de París, en el mismo año. También visitó Venecia. Durante una visita a Lyme Regis, en Dorset, Inglaterra, pintó una escena de tormenta, ahora en el museo de Cincinnati, Ohio.
Conforme envejecía, Turner se volvió más excéntrico. Tuvo pocos amigos, excepto su padre, que convivió con el treinta años, asistiéndole eventualmente en su estudio. Su padre murió en 1829, lo cual le produjo una honda depresión.
Murió en su casa en Cheyne Walk, en Chelsea, Londres, el 19 de diciembre de 1851. Según sus deseos, fue enterrado en la catedral de S. Pablo (St Paul's Cathedral), donde descansa al lado de Sir Joshua Reynolds. Su última exhibición en la Real Academia fue en 1850.

Estilo
El talento de Turner fue reconocido muy pronto, convirtiéndole en un académico a los 23 años. Tal independencia económica le permitió innovar de manera sorprendente. De acuerdo con la Historia ilustrada del Arte, de David Piper, sus últimas pinturas fueron denominadas fantastic puzzles (rompecabezas fantásticos). No obstante, Turner es reconocido como un genio: la crítica inglesa, John Ruskin, describió a Turner como el artista «que más conmovedoramente y acertadamente puede medir el temperamento de la naturaleza»
Turner es un pintor romántico interesado en la filosofía sublime; retrata el asombroso poder de la Naturaleza sobre el Hombre. Fuegos, catástrofes, hundimientos, fenómenos naturales son descritos por el pintor. En sus lienzos, constata que la humanidad no es más que un conjunto de peones de la Naturaleza. Como otros románticos, considera el paisaje natural como un reflejo de su humor. Turner mostró el poder violento del mar, como en el Barco de Esclavos, 1840.
Sus primeros trabajos, como Tintern Abbey (1795) o Venecia (1819), conservan las tradiciones del paisajismo inglés. Sin embargo, en Aníbal atravesando los Alpes (1812), su énfasis en el poder destructor de la naturaleza ya empieza a surgir. Su peculiar estilo de pintura, el cual se caracterizaba por el uso de técnicas exclusivas de la acuarela en la ejecución de sus obras pictóricas al óleo, generaba luminosidad, fluidez y efectos atmosféricos efímeros.
En sus últimos años, empleó cada vez menos óleos, y se centró en la luz pura, en los colores del reflejo. Ejemplos de este estilo tardío son visibles en Lluvia, vapor y velocidad pintado en (1844), donde los objetos son vagamente reconocibles.
Turner, junto con John Constable, fue un estandarte de la pintura inglesa en sus útimos años, y fue popular en Francia también. Los impresionistas estudiaron cuidadosamente sus técnicas, para dilucidar el poder de sus lienzos. En la era del arte moderno, hasta el arte abstracto se ha visto influenciado por él.

ANALISIS DE OBRA

Lluvia, vapor y velocidad 1844 Óleo sobre tela 91 cm x 122 cm Nacional Gallery, Londres


El cuadro surge de un viaje del artista por la campiña inglesa. En los alrededores de Maidenhead, ve a un convoy atravesar un puente. El tren a toda velocidad, las chispas de la locomotora, la lluvia que caía, lo precario de lo que parece permanentemente, en fin conformó una imagen que quedó grabada en su imaginación. Lo esencial de la tela es la abstracción de los diferentes elementos para componer una secuencia a medio camino entre el realismo y la irrealidad. Al exponer la obra, en algún sentido también un reflejo de la industrialización y poderío británico de la época victoriana, no faltaron quienes se preguntaron qué quiso pintar Turner, negándose o incapaces de encontrar en la atmósfera del cuadro aquello que caracterizaba a su tiempo: la muerte del romanticismo y el paso a una edad colectiva, desigual y cambiante.













Venecia de mañana, después del Baile 1845 Óleo sobre tela 61,6 cm x 92,4 Tate Gallery, Londres

Las relaciones entre experiencia, recuerdo e imaginación son muy complejas en Turner. Sus primeros cuadros venecianos los pintó catorce años después de visitar esa ciudad por primera vez. Es casi un lugar común atribuir a su estancia veneciana su fascinación por la luz y el color en sí mismos, propio de su última y rica época. No es del todo acertado ese juicio. Tan temprano como en 1816 se reclamaba en Turner una excesiva abstracción de la perspectiva. Alguien dijo que sus primeros paisajes eran “retratos de la nada”. Quizá no le interesaba ser fiel a la realidad, sino al aspecto con que la vemos. En 1840 realiza una última visita a la ciudad que amaba y pinta su paisaje. Esta es la obra espléndida de un Turner maduro y en posesión de todas sus facultades. Lo mejor de su legado a la posterioridad. La paradoja es que ninguno de sus trabajos venecianos fue expuesto mientras vivió.

DELACROIX - SIGLO XIX

En el seno de una familia vinculada por la via materna a la casa real, el 26 de abril de 1798 nacio en Paris Delacroix. el padre de Delacroix habia sido ministro de asuntos extranjeros y diputado.cuando Delacroix tenìa siete años cuando muere su padre y la madre lo ingresa al Liceo Imperial, donde sobresale. Incentivado por el pintor Henri Riesne concurre al atelier del artista neoclasico Guerin donde lo cuenta entre su grupo de alumnos hacia 1815. Un año antes había fallecido su madre.
Hacia 1816 ingresa a la Escuela de Bellas Artes y seis años después conoce a Guérilcault que ejercera mucha influencia en su obra. La barca del Dante es una de esas obras donde se puede observar el fruto de ese encuentro, es la primera tela que exhibe en ese salón Ofocial y la que lo pone en primer plano ante sus contemporáneos.
Delacroix es un hombre elegante y culto y frecuenta las mejores tertulias de Paris.En 1832, el conde de Mornay lo invita para tomar parte en una expedición a Marrucos en calidad de retratista oficial.Como muchos artistas de la época, la posibilidad de conocer tierras extrañeas y pintar paisajes y los pueblos que habitaba lo sedujo al instante y no dudo en aceptar.pero el viaje fue mucho más que el contacto con lo extraño o el cumplimiento de un sueño romantico.Africa marcó su arte para siempre. A su vuelta le esperan los encargos del gobierno y los murales decorativos para los edificios y reparticiones públicas absorben su tiempo. Debido a una laringitis tuberculasa se ve obligado a rechazar invitaciones y visitas a su casa.
En 1859 sufre una decepción terrible:las pinturas que había hecho llegar al Salón Oficial, fueron criticadas terriblemente. Nunca más participo en una muestra y su reclusión se hizo mayor. de hecho se traslada a una casa de campo de Champrosay, donde su vida se hace más ermitaño hasta poco antes de su muerte, acaecida en 1863, a los 65 años.
Muere en su piso de Paris y posteriormente su taller, en la plaza Fustenberg, es convertido en museo.



Analisis de pinturas





















Mujeres de Argel
(1834)
óleo sobre tela
180 cm x 229 cm
Museo de Louvre, Paris, Francia


Fue la primera tela que encaró a su regreso de Marruecos. Para retratar esta escena de un harén, uso colores primarios: rojo, azul y amarillo, combinándolos para lograr los secundarios, en vez de utilizar tonos ya preparados. El resultado es una vibrante armonía crómatica. El turbante de la mujer negra, por ejemplo resalta, resalta la intesidad del rojo. También en los detalles ambos colores se alternan. Algunos criticos pusieron reparos al uso de estos colores, aduciendo que podrian haberse utilizado de mejor manera. Sin embargo la espontaneidad de la obra es innegable. El naturalismo de la escena y sus dimensiones de carácter realista, logran transmitir en forma directa la estrecha relación entre el pintor y su tema. El viaje a Marruecos incluyo Argelia y España, realizando centenares de esbozos, acuarelas y dibujos a lo largo del trayecto. El colorido de Africa y su propia búsqueda de los matices de la luz, lo impelen a continuar experimentando con los colores.












La libertad guiando al pueblo
(1830)
óleo sobre tela
260cm x 325cm
Museo de Louvre, Paris, Francia




















Inspirada en la Revolución de 1830, en azul, rojo y blanco, la tela es una alegoría de Francia, la libertad y el pueblo francés basada en la historia reciente del país. Delacroix no participó en los conflictos, pero fue testigo de las batallas. En 1830 los habitantes de París tomaron las calles de su ciudad para forzar la abdicación de Carlos X. El cuadro es una glorificación de la democracia y exalta el espiritu revolucionario de la época, que condujo a Luis Felipe al poder. Expuesto en el salon Oficial de 1831, significó un éxito para el artista y lo puso a la cabeza de los jovenes pintores románticos de la época. Años después Alejandro Dumas, amigo de Delacroix, recordó que éste, lejos de ser partidario de la revolución, la temía. Temor que cedió cuando vio flamear sobre la catedral de Notre Dame la enseña del imperio. Preso del entusiasmo que le embargo por ello-recordó el autor de los Tres Mosqueteros- "glorificó a ese pueblo que antes lo aterrorizaba".
esta obra es una de las cuatro que cierran el ciclo juvenil de Delacroix.